ENTREVISTA A ELENA PEDROSA EN LA REVISTA TQPLUSART

¿Cómo compaginas la docencia y la dedicación a tu obra fotográfica?

Para mí es una simbiosis. Acompañar en sus proyectos a mi alumnado ha hecho que, por una parte, tenga inquietud por ampliar mis conocimientos para aportarles más y mejor y, por otra, me haya motivado tanto que haya comenzado a dedicar más tiempo a mi trabajo personal. Realmente no concibo una docencia que no parta de una experiencia vivida.

Comencé a dar clases muy jovencita, con 24 años, en la especialidad de Imagen y Sonido, más técnica y ecléctica que la especialidad para la que trabajo ahora, por lo que requería dedicación exclusiva a la parte didáctica. Un día tenías que hablar de guión cinematográfico y otro día sobre el cableado de un control de realización de radio, enseñar a revelar un carrete analógico o explicar un software multimedia. Eso me dio capacidad de trabajo y relación entre materias. Así que suelo llevar varias cosas al mismo tiempo sin problema. Por otro lado, el ambiente de creación grupal y colaborativo que es mi aula da lugar a que nos influyamos y nutramos unos a otros, eso me da más opción de experimentar y reflexionar, y realmente mis referentes son mis

alumnos. 

¿Cómo surge tu inquietud por el Poniente?, ¿qué quieres expresar con este trabajo?

En realidad este trabajo surge de esa simbiosis de la que hablaba antes. En una jornada de investigación creativa los compañeros Adolfo Rosillo y Alberto Campo de la Escuela de Arte de Almería organizaron una salida a un invernadero del Poniente para registrar allí, cada cual desde su disciplina, la impresión plástica que le causara ese entorno, reflexionando plásticamente acerca de dicha labor productiva o la forma física y visual del paisaje. Yo mezclé ambas cosas.

Para mí la sensación fue de dolor ante el sufrimiento de los seres vivos esclavizados bajo el plástico, personas, insectos y plantas, que a su vez siento como metáfora de la vida de plástico que nos asfixia a causa de la manera en la que está articulada la sociedad actual. Y es eso lo que mostré con mis imágenes. 

Llama la atención la forma visual como articulas este contenido, ¿qué estructura tiene este trabajo? y ¿cuál ha sido el proceso creativo?

Consta de tres series y un mosaico, un total de 20 piezas de las que expongo sólo 11 en TQ+SUR. En una serie muestro la asfixia de las plantas, en otra la manipulación de los insectos y en otra me centro en las características del plástico, articulando de manera estética y plástica estos contenidos. Y hay un mosaico de las imágenes unidas en dípticos verticales y que articulé por azar, y en la que muestro desde los mecanismos de observación y control humano, pasando por la despersonalización, hasta la huella física de la asfixia en las plantas.

Mi proceso metodológico es espontáneo, pero ha bebido anteriormente de una investigación tanto formal como conceptual en torno a la articulación narrativa de dípticos, mezclado con la unión de imágenes por azar de los surrealistas y la psicogeografía situacionista. El aspecto plástico es poético, desde la descontextualización que produce la abstracción, pero este trabajo lo he fotografiado desde las tripas, aunque teniendo la mente formada en una visión crítica de la hipertecnologización, la industrialización y el capitalismo.

¿Podrías decir que este trabajo es representativo de tu estilo fotográfico?, ¿qué otros aspectos sueles abordar en tu creación?

Utilizo la fotografía como herramienta de reflexión social o de descubrimiento personal, alternando mi mirada espejo y ventana. Precisamente este es un trabajo que reúne ambas facetas de mi lenguaje visual. Siendo una visión social e incluso de denuncia, está expresada de manera plástica, no documental, con un lenguaje más poético que narrativo, porque viene de una emoción.

Otros aspectos que he abordado en mi fotografía están relacionados con la manera de vivir los barrios en torno al proceso de gentrificación, la crítica a la turistización del negocio de guerra en Mostar o Sarajevo o cómo afecta esta masificación turística a los países sudamericanos. Pero también tengo una investigación de lo personal con algunos trabajos íntimos basados en el autorretrato y en la fotografía participativa con mi familia. Mirar hacia adentro o hacia afuera para comprender el mundo o a mí misma, al fin y al cabo, con la fotografía como herramienta. 

Centrándonos en el panorama fotográfico nacional, ¿cómo valoras la apuesta de PhotoEspaña?, ¿cómo ves la situación de la fotografía en el momento actual?

Creo que es importante e interesante que se salga de lo centralizado y se de valor a las periferias. Vivimos en una sociedad en la que se está reflexionando mucho acerca de los privilegios hombre VS mujer, pero aún no se abordan los de clase o territorio. Por eso creo muy importante la participación de MECA Mediterráneo Centro Artístico como única sede andaluza oficial con producción propia en PHotoESPAÑA, además con un amplio programa que dura todo el verano, para poner en valor el trabajo bien hecho en el Sur, que la mayoría de las veces pasa desapercibido. Así como celebro también la participación de PhotoESPAÑA Santander y su propuesta expositiva y otras sedes invitadas.

Pienso que la fotografía debe salir de las modas y de los guettos. Pero al final todo se mueve cuando te mueves. Me encanta el trabajo constante e independiente de festivales de fotografía emergente como Art Photo Bcn o Patata Festival en Granada. Son lugares donde aprendo, descubro nuevas maneras de ver y expresar y me relaciono con gente estupenda. Es importante que existan a la vez que otras convocatorias como la de PhotoESPAÑA.

De las exposiciones programadas en esta edición de PHE, ¿has visitado alguna, qué te llama más la atención?

No he tenido ocasión aún, pero tengo muchas ganas de ver el trabajo comisariado por mi compañero Sema D´Acosta, "OFFLAND. Un lugar ideal, al menos” en el Centro Cultural Galileo, en Chamberí. Y por supuesto no quiero perderme la antología de Rogelio López Cuenca en el Reina Sofía.

¿Cómo crees que va a evolucionar tu trabajo a partir de ahora?, ¿hacia dónde te diriges?

Fernando Barrionuevo, comisario  y director de MECA me dijo no hace mucho que mis fotografías quieren ser pinturas. Inicio una nueva etapa vital que me va a permitir, posiblemente, experimentar con elementos plásticos multidisciplinares más allá de la mera fotografía. Salir de lo intelectual e ir a lo físico y lo corpóreo, de la comunicación a la expresión, es algo que mi cuerpo me viene pidiendo desde hace tiempo. Y hay que escucharse de vez en cuando.