Fernando de Villena, Granada, 1956. Doctor en Filología Hispánica por la Universidad de Granada, es miembro de la Academia de Buenas Letras de Granada y miembro de la Academia Hispanoamericana de Buenas Letras.

Le ha sido otorgado, entre otras distinciones, el Premio de la Crítica Andaluza y el Premio de la Fundación Andrés Bello.

En el plano narrativo ha publicado diecisiete novelas, destacando: Relox de peregrinos, La casa del indiano, El hombre que delató a Lorca, Sueño y destino, Iguazú, El testigo de los tiempos, Udaipur,  Mundos cruzados, Valparaíso y El secreto del Sacromonte.

Como poeta ha desarrollado una extensa producción agrupada en los volúmenes  Poesía 1980-1990, Poesía 1990-2000, Los siete libros del Mediterráneo (2009) y Los colores del mundo (penúltimos libros de poesía) (2014). Su obra poética nace influida por la belleza y perfección formal de la poesía de los siglos de Oro ('Pensil de rimas celestes', 'Soledades III y IV' y 'Damas reales'), para abrirse más tarde a influencias contemporáneas.

¿Cómo llegas a la fotografía?, ¿cuál es tu trayectoria?

No recuerdo ese momento ya que siempre ha estado ahí, de hecho, ha sido y es mi mejor relación. Es mi medio de expresión, no es algo que haya descubierto como afición ni como profesión, lo que me apetece es utilizar la fotografía como medio para expresarme.

Mi trayectoria es la propia de alguien que no ha vivido la fotografía de manera profesional, lo cual me ha permitido trabajar desde la libertad. Autodidacta, empecé con la fotografía analógica. He utilizado en muchas ocasiones película polaroid y ahora estoy coqueteando un poco con la fotografía digital. He realizado varios proyectos, entre ellos se encuentran “Una mirada más”, que expuse en el museo de la ciudad de Almería, “Tu rincón preferido” en el Centro Andaluz de la Fotografía, •Acuérdate” en la sala Alfareros de la Diputacion de Almería. Entre mis publicaciones, el libro “Una mirada más” editado por el Gaviero ediciones y “Gloomy Sunday”, libro auto editado.

¿Cómo compaginas tu trabajo y la dedicación a tu obra fotográfica?

Lo llevo muy bien ya que en mi tiempo libre hago mis trabajos fotográficos que es lo que me hace más feliz. Soy una persona a la que le gusta concentrarse en las cosas que me fascinan. Supongo que en la fotografía me ocurre como en lo personal, me interesan pocas cosas y dedico mi tiempo libre a esas pocas cosas que me interesan, volcándome en mi dedicación a ellas. 

¿Cómo surge tu inquietud por el tema que muestras en este proyecto fotográfico?, ¿qué quieres expresar con este trabajo?

El tema de este proyecto es el tiempo, de que manera deja su huella al pasar tanto en nosotros como en nuestro entorno. No me interesa sólo el aspecto físico del paisaje, ni capturarlo, soy más de pensar que de cazar, soy muy intimista, y utilizo la fotografía para expresar lo que quiero.

El trabajo trata sobre las casas del pueblo minero de Rodalquilar y su actual abandono. Pretendo contar el deterioro de un lugar que en su día estuvo lleno de vida.

Llama la atención la forma visual como articulas este contenido, ¿qué estructura tiene este trabajo? y ¿cuál ha sido el proceso creativo?

Serendipia es un trabajo compuesto por 22 imágenes. He utilizado película Polaroid transferida a papel acuarela. No suelo hace salidas fotográficas en las que lleve la cámara siempre conmigo y me gusta ser solitaria en mi trabajo fotográfico.

Mi proceso creativo es muy intimista, pienso o ideo un proyecto y me dedico a realizarlo. Para mí la forma de mirar es fundamental, tenga una intención previa de ser proyecto o no, siempre hay una historia que contar. En este caso concreto, la manera de abordar técnicamente el trabajo fotográfico tiene mucho que ver con la reflexión sobre el tiempo. Igual que en la película Polaroid, si las imágenes no se transfieren es difícil conservarlas, ocurre que en el abandonado pueblo minero de Rodalquilar el paso del tiempo ha hecho que haya detalles que con el paso del tiempo desaparezcan, ya no están cuando vuelves. Es lo que he querido captar con mi trabajo.

¿Podrías decir que este trabajo es representativo de tu estilo fotográfico?, ¿qué otros aspectos sueles abordar en tu creación?

 Si, este trabajo es representativo de mi manera de trabajar. Mi creación suele ser bastante intimista y precisamente el trabajo con analógico, y sobre todo el cuidado que requiere el trabajo con Polaroid tienen mucho que ver, la técnica con el estilo de abordar la creación. Hacer una buena exposición, que es difícil controlar el proceso de toma en Polaroid, así como separar la emulsión adecuadamente, sumergiéndola en agua caliente.

Centrándonos en el panorama fotográfico nacional, ¿cómo valoras la apuesta de PhotoEspaña?, ¿cómo ves la situación de la fotografía en el momento actual?

PhotoESPAÑA es algo maravilloso para todos los que amamos la fotografía. Quienes hemos seguido su trayectoria hemos visto que con el tiempo ha crecido en cuanto a calidad y volumen expositivo. Es importante en el movimiento fotográfico actual promover trabajos fotográficos con criterio, siempre que estos tengan la suficiente calidad, estén trabajados y pensados.

Creo que por fin se le empieza a dar a la fotografía el lugar que le corresponde. Ha estado mucho tiempo poco valorada y algo denostada. Artísticamente los avances en la tecnología digital han ayudado mucho. No soy de quienes piensan que el digital ha perjudicado a la fotografía. Creo que todo es válido.

De las exposiciones programadas en esta edición de PHE, ¿has visitado alguna, qué te llama más la atención?

Todavía no, pero ahora voy unos días a Madrid para visitarla como hago todos los años. Me interesa el trabajo de David Jiménez, me parece una visión plástica e intimista afín a cómo yo veo la fotografía. La selección de sus 25 años de trayectoria realizada por Alejandro Castellote me parece que tiene que ser impresionante y tengo muchas ganas de verla. Por otro lado, la retrospectiva de la Sala Alcalá de Darío Villalba “Pop Soul, Encapsulados y otros” creo que tiene que ser genial, llevar la fotografía a algo tan diferente, mirar la imagen desde distintos sitios, como montaje expositivo me parece muy interesante.

¿Cómo crees que va a evolucionar tu trabajo a partir de ahora?, ¿hacia dónde te diriges?

Imagino que seguirá evolucionando paralela a mi evolución personal. Seguir creciendo, seguir creando. Supongo que continuaré en la misma línea, más que explorar otros lenguajes u otras técnicas, ya he dicho que me interesan pocas cosas y prefiero profundizar en mi fascinación por ellas. Bucear un poco en lo digital, pero continuar con el proceso analógico y de la Polaroid. Me da seguridad el control del proceso que me da la experiencia para poder expresar lo que quiero. Aunque me gusta todo, no me defino con nada en concreto. 

¿Cómo compaginas tu trabajo y la dedicación a tu obra fotográfica?

Forman parte de la misma realidad. Tengo la suerte de impartir Proyectos Audiovisuales en la Facultad de Bellas Artes, por tanto mi trabajo en la Universidad y mi “trabajo” artístico caminan juntos. Estoy en contacto con gente muy joven que “está en el arte”, se quiere dedicar al arte y, si mi mirada y mi trabajo en la fotografía y la videocreación no se desarrollaran, no podría impartir clase. No podría entender los procesos de los alumnos, sus euforias y sus miedos.

¿Cómo surge tu inquietud por el tema que muestras en este proyecto fotográfico en PHotoESPAÑA, sede oficial MECA?, ¿qué quieres expresar con este trabajo?

Este proyecto es una reflexión personal sobre el antes y el después, la percepción, la naturaleza, el tiempo y la complejidad que encierran los términos observar y representar.

Me interesa especialmente la dialéctica que se establece entre la imagen fija y la imagen en movimiento.  Lo transitorio y la fugacidad del tiempo. Ese tiempo ausente que se nos escapa entre dos imágenes, dos instantes congelados entre los que conscientemente se elimina otro momento.

Propongo la interrupción como un espacio de silencio; elemento híbrido que posibilita el palpitar de esas huellas de luz que se ordenan y desestructuran en el recorrido de las series fotográficas. La pausa. La elipsis como elemento que define ese preciso instante de captura de una imagen en intervalos formales de tiempo. Cada observador, completará el vacío con sus propias vivencias.

Llama la atención la forma visual como articulas este contenido, ¿qué estructura tiene este trabajo? y ¿cuál ha sido el proceso creativo?

Las fotografías se estructuran en series, fragmentadas en dípticos, trípticos o polípticos que dialogan con cada espacio expositivo. De este modo, la concepción del proyecto visual modificará el lugar físico, transformándolo en un espacio diferente en cada muestra. Cuando es posible, me gusta volver una y otra vez al lugar de la toma, incluso año tras año para  observar los cambios que producen las variaciones de la luz y el paso del tiempo. Me gusta involucrarme con el paisaje, estar en ese preciso lugar, sentir la humedad, el calor, en ocasiones el peligro. Es una toma de conciencia del aquí ahora, me hace sentir viva. Antes de hacer las fotografías imagino la totalidad de la serie, que pienso como una sucesión de imágenes continuas-discontinuas, con silencios, con pausas. Parto de un hipotético caos para después, seleccionar, estructurar y componer cada imagen buscando un orden preexistente que hace que cada imagen “funcione” independientemente y con el conjunto. 

Centrándonos en el panorama fotográfico nacional, ¿cómo valoras la apuesta de PhotoEspaña?, ¿cómo ves la situación de la fotografía en el momento actual?

PhotoEspaña es un referente indiscutible que permite conocer en directo la obra de autores tan emblemáticos como William Klein o Berenice Abbot. Desde hace años los veranos están asociados PhotoEspaña y sus propuestas. Exposiciones, actividades y concursos que dan a conocer otras miradas, otras maneras de percibir la realidad.

En un momento de saturación y banalización de la imagen, PhotoEspaña es una oportunidad para entender no sólo el cambio social y nuestro pasado inmediato, también es una documentación sobre la transformación del paisaje urbano y rural en todo el mundo. Creo que la fotografía es una herramienta maravillosa para abrir conciencias y hacernos reflexionar sobre nuestra vulnerabilidad. 

Aunque es evidente que estamos rodeados de imágenes, que cada día se hacen millones de fotografías que se acumulan como datos en la nada, eso no quiere decir que esas millones de fotografías tengan algo que contar. Pero algunas conmueven, te hacen parar. Lo que quiero decir, es que aunque aparentemente la facilidad y abaratamiento en los costos de los dispositivos hayan generado esta tremenda superproducción y trivialización de la imagen, no todo vale. Un lápiz y un papel son materiales sencillos y asequibles y sin embrago, sólo algunas personas son capaces de hacer extraordinarios dibujos.

De las exposiciones programadas en esta edición de PHE, ¿has visitado alguna, qué te llama más la atención?

Estuve en la exposición inaugural de PHE, La sombra incisa de Javier Vallhonrat en el Jardín Botánico de Madrid. Me interesa especialmente este proyecto donde Vallhonrat establece una relación única, casi mística con el paisaje, con el Glaciar de la Maladeta al que contempla y se aproxima con sumo respeto, con cautela y emoción. Estamos fotografiando a un ser vivo.

De la exposición de David Jiménez, Universos, en la Sala Canal de Isabel II, me gustó como articula sus secuencias fotográficas que se yuxtaponen sin atender a un orden narrativo temporal.

¡Pero, nos queda aún todo el verano!

¿Cómo crees que va a evolucionar tu trabajo a partir de ahora?, ¿hacia dónde te diriges?

Pues creo que de momento voy a continuar con mis Espacios de Tránsito, mis Intervalos entre las Cosas. Me inquieta ese leve desfase temporal y sensorial que existe entre la situación vivida y la imagen capturada por la cámara. Ese ligero desajuste, tanto acústico como visual, genera una cierta turbación, presente en la imagen fija y que se intensifica en las obras audiovisuales. Con las piezas de vídeo, intento rescatar la imagen del hilván que enlaza el tiempo, reorganizándose y creando un nuevo movimiento a partir de ralentizaciones, rupturas, repeticiones, superposiciones  y paradas que responden a otros ritmos y producen una nueva densidad de la imagen. Los silencios que quieren ser el hilo conector entre el ser y las cosas del mundo.

¿Cómo compaginas la docencia y la dedicación a tu obra fotográfica?

Para mí es una simbiosis. Acompañar en sus proyectos a mi alumnado ha hecho que, por una parte, tenga inquietud por ampliar mis conocimientos para aportarles más y mejor y, por otra, me haya motivado tanto que haya comenzado a dedicar más tiempo a mi trabajo personal. Realmente no concibo una docencia que no parta de una experiencia vivida.

Comencé a dar clases muy jovencita, con 24 años, en la especialidad de Imagen y Sonido, más técnica y ecléctica que la especialidad para la que trabajo ahora, por lo que requería dedicación exclusiva a la parte didáctica. Un día tenías que hablar de guión cinematográfico y otro día sobre el cableado de un control de realización de radio, enseñar a revelar un carrete analógico o explicar un software multimedia. Eso me dio capacidad de trabajo y relación entre materias. Así que suelo llevar varias cosas al mismo tiempo sin problema. Por otro lado, el ambiente de creación grupal y colaborativo que es mi aula da lugar a que nos influyamos y nutramos unos a otros, eso me da más opción de experimentar y reflexionar, y realmente mis referentes son mis

alumnos. 

¿Cómo surge tu inquietud por el Poniente?, ¿qué quieres expresar con este trabajo?

En realidad este trabajo surge de esa simbiosis de la que hablaba antes. En una jornada de investigación creativa los compañeros Adolfo Rosillo y Alberto Campo de la Escuela de Arte de Almería organizaron una salida a un invernadero del Poniente para registrar allí, cada cual desde su disciplina, la impresión plástica que le causara ese entorno, reflexionando plásticamente acerca de dicha labor productiva o la forma física y visual del paisaje. Yo mezclé ambas cosas.

Para mí la sensación fue de dolor ante el sufrimiento de los seres vivos esclavizados bajo el plástico, personas, insectos y plantas, que a su vez siento como metáfora de la vida de plástico que nos asfixia a causa de la manera en la que está articulada la sociedad actual. Y es eso lo que mostré con mis imágenes. 

Llama la atención la forma visual como articulas este contenido, ¿qué estructura tiene este trabajo? y ¿cuál ha sido el proceso creativo?

Consta de tres series y un mosaico, un total de 20 piezas de las que expongo sólo 11 en TQ+SUR. En una serie muestro la asfixia de las plantas, en otra la manipulación de los insectos y en otra me centro en las características del plástico, articulando de manera estética y plástica estos contenidos. Y hay un mosaico de las imágenes unidas en dípticos verticales y que articulé por azar, y en la que muestro desde los mecanismos de observación y control humano, pasando por la despersonalización, hasta la huella física de la asfixia en las plantas.

Mi proceso metodológico es espontáneo, pero ha bebido anteriormente de una investigación tanto formal como conceptual en torno a la articulación narrativa de dípticos, mezclado con la unión de imágenes por azar de los surrealistas y la psicogeografía situacionista. El aspecto plástico es poético, desde la descontextualización que produce la abstracción, pero este trabajo lo he fotografiado desde las tripas, aunque teniendo la mente formada en una visión crítica de la hipertecnologización, la industrialización y el capitalismo.

¿Podrías decir que este trabajo es representativo de tu estilo fotográfico?, ¿qué otros aspectos sueles abordar en tu creación?

Utilizo la fotografía como herramienta de reflexión social o de descubrimiento personal, alternando mi mirada espejo y ventana. Precisamente este es un trabajo que reúne ambas facetas de mi lenguaje visual. Siendo una visión social e incluso de denuncia, está expresada de manera plástica, no documental, con un lenguaje más poético que narrativo, porque viene de una emoción.

Otros aspectos que he abordado en mi fotografía están relacionados con la manera de vivir los barrios en torno al proceso de gentrificación, la crítica a la turistización del negocio de guerra en Mostar o Sarajevo o cómo afecta esta masificación turística a los países sudamericanos. Pero también tengo una investigación de lo personal con algunos trabajos íntimos basados en el autorretrato y en la fotografía participativa con mi familia. Mirar hacia adentro o hacia afuera para comprender el mundo o a mí misma, al fin y al cabo, con la fotografía como herramienta. 

Centrándonos en el panorama fotográfico nacional, ¿cómo valoras la apuesta de PhotoEspaña?, ¿cómo ves la situación de la fotografía en el momento actual?

Creo que es importante e interesante que se salga de lo centralizado y se de valor a las periferias. Vivimos en una sociedad en la que se está reflexionando mucho acerca de los privilegios hombre VS mujer, pero aún no se abordan los de clase o territorio. Por eso creo muy importante la participación de MECA Mediterráneo Centro Artístico como única sede andaluza oficial con producción propia en PHotoESPAÑA, además con un amplio programa que dura todo el verano, para poner en valor el trabajo bien hecho en el Sur, que la mayoría de las veces pasa desapercibido. Así como celebro también la participación de PhotoESPAÑA Santander y su propuesta expositiva y otras sedes invitadas.

Pienso que la fotografía debe salir de las modas y de los guettos. Pero al final todo se mueve cuando te mueves. Me encanta el trabajo constante e independiente de festivales de fotografía emergente como Art Photo Bcn o Patata Festival en Granada. Son lugares donde aprendo, descubro nuevas maneras de ver y expresar y me relaciono con gente estupenda. Es importante que existan a la vez que otras convocatorias como la de PhotoESPAÑA.

De las exposiciones programadas en esta edición de PHE, ¿has visitado alguna, qué te llama más la atención?

No he tenido ocasión aún, pero tengo muchas ganas de ver el trabajo comisariado por mi compañero Sema D´Acosta, "OFFLAND. Un lugar ideal, al menos” en el Centro Cultural Galileo, en Chamberí. Y por supuesto no quiero perderme la antología de Rogelio López Cuenca en el Reina Sofía.

¿Cómo crees que va a evolucionar tu trabajo a partir de ahora?, ¿hacia dónde te diriges?

Fernando Barrionuevo, comisario  y director de MECA me dijo no hace mucho que mis fotografías quieren ser pinturas. Inicio una nueva etapa vital que me va a permitir, posiblemente, experimentar con elementos plásticos multidisciplinares más allá de la mera fotografía. Salir de lo intelectual e ir a lo físico y lo corpóreo, de la comunicación a la expresión, es algo que mi cuerpo me viene pidiendo desde hace tiempo. Y hay que escucharse de vez en cuando. 

El Ministerio de Cultura y Deporte nos ha incorporado a la Red Nacional de Espacios Creativos. Una excelente noticia no solo para MECA Mediterráneo Centro Artístico sino también para Almería, ya que nos convertimos así en nodo impulsor de la creatividad, el arte contemporáneo en todas sus manifestaciones, la #capacitación y la gestión cultural.

Descripción de espacio creativo por parte del Ministerio de Cultura “Bajo el término Espacio creativo se aglutinan una serie de equipamientos culturales, cada uno con sus particularidades en cuanto a los objetivos y áreas de especialización, centrados en el fomento del emprendimiento en esta industria y que están destinados a dar apoyo a la creatividad, el talento y la innovación. También llamados incubadoras, viveros de proyectos y empresas culturales, hubs o fábricas de creación, entre otros términos, estos espacios han adquirido en los últimos años una gran relevancia como respuesta a la nueva economía colaborativa y a las necesidades del sector de las industrias culturales y creativas.”