MECA INAUGURA RUIDO DE FONDO

VIERNES 9 DE ABRIL A LAS 18 H

La tradición de los oprimidos nos enseña que el estado de emergencia

en el que vivimos es la regla, no la excepción.

Debemos llegar a un concepto de la historia

que corresponda a esta verdad.

-Walter Benjamin

Vivimos en un momento especialmente tóxico en lo político tanto en Europa como en América. La suma de una crisis sanitaria mundial ha evidenciado graves contradicciones que afloran en los valores compartidos de nuestras sociedades democráticas: el respeto a la diversidad, la pobreza, el desempleo, el acceso a los servicios sanitarios básicos, la educación, la ecología, la sexualidad... Hay un vértigo general que nos obliga a tomar postura y que de una manera u otra hemos ido posponiendo.

Cada vez más prácticas artísticas persisten en dejar testimonio y reflexionar sobre el desconcierto frente a los sucesos que acontecen a diario. Esto ayuda a obtener algo de perspectiva sobre la realidad, pero desde una cierta fascinación por reaccionar a los hechos en un breve espacio de tiempo, donde la intensidad de lo inmediato puede ser más importante que la lógica de la mediación.

Esta exposición está referida a posturas que desestabilizan nuestra percepción de la realidad, del espacio social y de las estructuras de poder. Nos sentimos expuestos a todos los riesgos y especulaciones. Hemos propuesto que los artistas hablen del malestar que genera el ruido de fondo a través del vigor analítico de sus obras, que definan su punto de vista y que registren lo que intuyen como el espíritu de nuestra época. Les proponemos poner en crisis el ecosistema que nos rodea en base a desentrañar el desasosiego que perciben como fuente material de producción. Explorando el potencial del arte como herramienta para entender los sistemas y estructuras culturales que determinan el comportamiento colectivo.

La exposición acoge propuestas individuales de un mapa diverso, intersubjetivo y múltiple en el que la visión fragmentada de cada obra funciona como la puerta de entrada de un organismo colectivo interconectado.

MECA Mediterráneo Centro Artístico impulsa de nuevo a los artistas más jóvenes, como así lleva desarrollando su programa de apoyo al arte más emergente desde hace 40 años y en coordinación con el Master de la Universidad de Granada, Producción e Investigación en Arte, a través de este proyecto con el ánimo de dar voz a un grupo de artistas que son exponente de actitudes comprometidas, que en muchos casos incomodan y que responden a un ruido de fondo omnipresente e impreciso que altera una imagen de lo cotidiano ya de por sí distorsionada y ambigua.

Artistas participantes

SOPHIA AITKEN. CARLOS CAÑADAS. ROCÍO CASTELLANO. TANIA ERDOZAIN. JONATHAN GARCÍA. MARÍA RODRÍGUEZ VALDÉS.

Comisarios

Asunción Lozano y Pedro Osakar.

CRÉDITOS

Organiza

MECA Mediterráneo Centro Artístico

Directores

Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante

Inauguración.

Viernes 9 de abril a las 18 hrs. Salvo cambios en restricciones, que se pasaría a las 12 hrs.

Duración

Del 9 al 29 de abril de 2021

Dirección

C/ Navarro Darax 11. Almería

Contacto

www.centromeca.com

MECA INAUGURA INNOACCIÓN. ARTE CONTEMPORÁNEO

SÁBADO 12 DE DICIEMBRE A LAS 12 H

Del 12 al 30 de diciembre. Nuevo horario martes a viernes de 11.30 a 14 h

Esta exposición colectiva de arte contemporáneo se enmarca como el eje central de la de los trabajos desarrollados por los artistas participantes en el Encuentro de Arte Contemporáneo Innoación Microlabs que durante tres días se ha realizado en el Museo de Almería. Ahora la exposición que presentamos en MECA Mediterráneo Centro Artístico, que contempla las disciplinas de pintura, instalación, intervención sonora y video arte y que bajo el comisariado común de Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante, nos va a mostrar una selección de obras de los 8 artistas que han participado en el proyecto de arte en vivo, así como el documental Innoacción que recoge todo el proceso creativo que cada uno de ellos ha llevado a cabo, así como el gran lienzo colaborativo y las charlas en directo que se han celebrado en diferentes plataformas virtuales.

ARTISTAS

Antonio de Diego Arias, Almudena Tapia Porras, Safi, María Dolores Gallego, Asunción Lozano, Pedro Osakar y Moisés Belilty Molinos y Jonathan García.

ACTIVIDAD PARALELA

IX Encuentro de las Artes y de las Letras del Mediterráneo

Lecturas poéticas a cargo de Paco Luis García Cuenca. Finalista Premio Internacional Poesía Ciudad de Melilla

ANTONIO DE DIEGO ARIAS

El trabajo que realizo en la actualidad, es una profundización del trabajo expuesto en mi última exposición individual “Prólogos a lo que es posible”, en la Galería Meca en Almería el pasado 2019(Marzo-Abril) y de los encuentros, piezas y bocetos no expuestos en esta última que surgieron a la par de la preparación y en el tiempo de exposición de la muestra en Meca, pero con la importante salvedad, que este trabajo, se realiza ya desde Madrid ,ciudad en la que resido desde el mes de Mayo de 2019. Toda la obra que comentamos arranca desde el 2017, con diferentes antecedentes en momentos precedentes, pero es sin duda, el funesto 2020 el que ha marcado e implementado el devenir del proceso creativo .En especial por los sentimientos de fragilidad e incertidumbre ya presentes en mi obra pero ahora implementado más si cabe en otros planos vitales. Recuerdo que en la presentación del catálogo Fernando Barrionuevo después de numerosas conversaciones y visitas al estudio, planteamos la presencia en mi trabajo de un profundo interés por la pérdida del concepto de identidad no solo de yo sujeto, sino del yo social y la deriva en la que se encuentra en la actualidad. Reflejada en la dispersión y disolución de los límites, la perdida de los márgenes necesarios para ubicar los campos de la memoria, la fugacidad como expresión. Y a todo ello habría que añadir la pérdida de la noción del concepto de verdad. La utilización de estructuras de red, ya presentes en otros periodos me permiten generar un campo de actuación en donde abstraer diferentes elementos concretos de la realidad y hacer fluir diferentes reflexiones. Y es en su fragmentación en cuanto estructuras y su dimensión “macro”, la que me permite acentuar y redimensionar los estallidos, resonancias, rupturas, disonancias de las últimas obras de la serie negra. Nos hablan del ser, de la fragilidad del tiempo actual, de der conscientes a través de la disolución de un tiempo ya concluido y la llegada de otro por venir “posibilidad” no exenta de vértigo. En mis obras algo se disgrega, se desmaterializa, se diluye, pero hay una inercia hacia una posibilidad algo prometeica. Hay ruptura pero también “hilos de esperanza” o de “disolución”-juegan las Parcas-, patentes en las piezas de la serie “Negra” realizadas en pleno COVI-19. Por último quería mencionar el sendero que he abierto en la nueva serie “fuego” que comparte gran parte de lo anteriormente expuesto pero que se abre cabe más aún a la incertidumbre del momento actual. Se introducen elementos nuevos como la repetición de la estructura principal a través de una serie de sombras-ecos que ocupan todo el espacio y en el que las dispersiones encajan en concepciones de memoria de “momentos”. “…toda percepción de la realidad es una abstracción en si misma y esta un momento de la memoria”

ALMUDENA TAPIA PORRAS

El “pensamiento mágico” ocupa una parte importante de la razón de ser de mi obra. Es por ello profunda en su inocencia y comprometida social y poéticamente en su expresión.

NOMBRAR y DEFINIR durante el proceso creativo, “vivir con”, convivir.

Y la MEMORIA como instrumento SUBVERSIVO.

El arte es memoria y por ello subversivo, intensa y dolorosamente subversivo.

Nombro cada minuto, cada hora plasmada, cada cadáver del pasado. Nombro a los que les robaron su identidad enterrándolos al alba en una curva perdida. Nombro a los excluidos... porque mi arte es memoria, y si no es memoria, NO ES.

Les doy mirada y cobijo. Les doy perfil y aliento. Aliento con mi aliento y perfil con la arcilla y la tierra. Y en ese instante donde me recreo y creo, donde tuteo al Dios de los creyentes, donde arrebatadamente el tiempo se condensa y me atrapa herida, en ese instante, transformo el paisaje que sepulta clavículas y cráneos en paisaje revelado.

Así pues, tras las palabras de Walter Benjamin, me reconozco “redentora” y me proclamo comprometida. No estoy hecha de victorias. Soy como aquellos que se disuelven lentamente en el mar, sin haber conquistado el pan y la sal de la tierra.

Es tiempo de barbarie, y el arte nos rescata.

La mirada se posa sobre la obra y en cierta forma aprehende un “instante eterno”.

Soy de la poesía y la esperanza. Soy testimonio. Me niego a separar verbo y corazón, coraje y emoción que, en el asombro y la ruina, guiña cómplice al espectador las palabras dibujadas.

Me salva el arte que derrocha fuerza, sarcasmo, despropósito, derrota, estrépito, locura. El arte que no está versado en sutilezas, que es instrumento que desafina, despojo y resistencia. Que es vida y desorden, obsesión, que es pálpito, transferencia vital y feroz de aortas heridas. El arte que es sangre, que expone a su creador, que unas veces intimida y otras, se arrodilla.

Hecho de carne poética, de desconcierto y trinchera; el abandono como un pretérito eco, bestia ciega y rumiante.

SAFI

Dibujo pájaros en el periódico de la mañana, en las páginas de economía y de crónicas sociales mientras tomo el desayuno. Miro a África. Recorto las imágenes de desastres naturales, de guerras, de naufragios de pateras, de famosos corruptos, de mil indigentes, para hacer collages de corazones imperfectos. Señalo con círculos en los mapas los lugares del mundo a donde me gustaría dirigirme desde esta periferia. Anoto palabras y títulos de futuros cuadros en las esquinas de las hojas que luego pierdo. Busco en la sección de Andalucía cualquier noticia sobre el Estrecho. Hoy como ayer, quiero seguir profundizando en los mundos que me ocupan, que son los de siempre (in-migraciones, sensibilizaciones, poderes, geografías, mapas, utopías y el arte como forma de mejora de vida). Y quiero continuar en el proceso diario de creación como perfeccionamiento. Y lograr que aparezca el mismo mensaje en mi utilización de diferentes lenguajes y formas.

MARÍA DOLORES GALLEGO

A lo largo de mi trayectoria artística, he desarrollado un fértil vocabulario abstracto cercano al diseño siguiendo unos procesos totalmente artesanales. A través del dibujo y la pintura, utilizándolos como punto de partida y combinadamente, escenifico mi universo personal de violentos colores y efectos desorientadores, cuyos flujos abiertos tienen continuidad de un formato/elemento a otro creando la ilusión de un cosmos ingrávido y envolvente mediante el concepto de pintura expandida. A través de mis obras, represento visualmente aspectos varios de mi entorno cotidiano y elementos que me interesan en lo visual y en lo conceptual, como en el proyecto artístico titulado “Animales Hilvanados” (2009-2013). En otros, en cambio, he reflexionado sobre diversos momentos históricos y artísticos de mi territorio de origen, como el periodo Íbero y de Al-Ándalus, en los proyectos denominados “Textiles Alhambrescos” (2013-2015) y “Dama de Elche” (2020); e, incluso, he trabajado directamente con obras arquitectónicas de nuestro patrimonio y en simbiosis con el arte contemporáneo como la instalación site specific denominada “Cuerpos Coloreados” (2018). Por otra parte, en los diversos cuadros que componen el proyecto “Guía Psychogeográfica” (2016-2018), fui plasmando mi propia trayectoria e historia de vida a través del dibujo cartográfico y múltiples metáforas espaciales. A pesar de trabajar por proyectos, todos ellos bien diferenciados tanto conceptual como formalmente, se pueden observar ciertas constantes (casi metodológicas) en toda mi producción artística como son: la lucha entre el orden y el caos; la tensión entre formas orgánicas y geométricas; la superposición de planos, líneas y vacíos; la aplicación seriada de los colores; o el empleo de técnicas mixtas, cuya mayor característica es el persistente uso de materiales y técnicas textiles como materiales propios del arte contemporáneo.

ASUNCIÓN LOZANO

Su obra de carácter multidisciplinar, aborda la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía o el video. Metódica y muy interesada en los sistemas de clasificación, ha organizado su trabajo a través de series y grupos diferenciados de trabajos que se han ido sucediendo a lo largo de su trayectoria. Su campo de investigación explora temas como el Cuerpo, el Territorio y la Naturaleza. En cada uno de ellos propone alcanzar objetivos como: transcender el espacio de representación de la pintura hacia un campo expandido de la escultura; advertir sobre la dimensión indómita de la naturaleza; reconstruir el sentido del territorio mediante la manipulación de imágenes aéreas tomadas de Google Earth; analizar cómo los individuos habitan el espacio social urbano; advertir de los usos en el lenguaje cotidiano y al mismo tiempo denunciar cómo los estereotipos fijan imaginarios femeninos, reivindicando la diversidad como estado ideal para lo Humano, participando en la difusión de las diferentes expresiones de genero, etc. MEASUREMENT RULES plantea tomar la medida como proyecto de investigación. La medición se considera una práctica directamente relacionada con el procesamiento de datos, con el uso de unidades de medida, números, dígitos, códigos, diagramas, patrones y métodos comparativos. Medir es establecer la cantidad de veces que una unidad ocupa un lugar dentro de lo que se mide. Measurement Rules abre la posibilidad a la ambivalencia. Es una invitación a relativizar todo cuanto sucede a nuestro alrededor, niega el carácter absoluto de muchos valores, y deja abiertos recursos y acciones basados en la subjetividad, los afectos y las ensoñaciones. Establece como principio la mensurabilidad de la realidad y enfrenta y propicia encuentros entre lo colindante y lo distante, intentando encontrar sentido a la practica artística desde el descubrimiento de unidades de medida imposibles.

PEDRO OSAKAR

CÓDIGOS URBANOS/URBAN CODES funciona igual que las anotaciones de un cuaderno de viaje y un archivo imposible. Una herramienta para la comprensión de un barrio en una ciudad cualquiera y las leyes no escritas que explican cómo nos relacionamos con la ciudad. Tomando como punto de partida la experiencia de los emplazamientos, o las escenas subjetivas que acontecerán durante los días del encuentro todas estas ideas que se desplegarán en la sala de exposiciones para aglutinar y poner un cierto orden en la memoria de esos espacios compartidos. El PROYECTO PROPAGANDA nace desde la necesidad y recuperación de procedimientos tradicionales y sencillos de impresión y su utilización como medio para la comunicación política, la protesta o la disidencia. El punto de partida fue la fabricación de una colección de tipos de madera para la impresión de textos. Tomando como punto de partida la tipografía Arial Bold por sus proporciones, peso y ser muy legible y neutra. Se fabricó la colección completa de 45mm para imprimir documentos de 400x300mm.

MOISÉS BELILTY MOLINOS

Cuando pienso en mi trabajo y en su naturaleza (un tanto oscura, ¿para qué negarlo?) suelo decirme a mi mismo que hay dos formas de afrontarlo: una pueril y tradicionalista que lo reduce a la expresión más torpe de los deseos humanos y otra, más creativa, que me lleva a sumergirme en la cara b del anhelo sexual preñado de fantasías dispares dónde caben todas esas cosas que calificamos, sin dudar, de perversiones y profanaciones de un sentimiento tan común como es el deseo carnal en su aspecto más primitivo, desprovisto de sutileza y misticismo. No me cabe duda de que ambas visiones ofrecen algo de verdad sobre la pornografía y la representación plástica del erotismo y después de una década dedicándome a plasmar en imágenes las fantasías de numerosos/as clientes a quienes no conozco no seré yo quien juzgue la validez (o su calidad desde el punto de vista intelectual) de todas estas formas de expresión. Al fin y al cabo son algo tan humano como cualquier otra manifestación artística. Lo que propongo con mi trabajo es, en definitiva, una defensa de las fantasías que antes o después nos acosarán a muchos y que pueden constituir una parte activa de la imaginación que quizás no convenga negar a luz de los valores morales que, con estricta claridad, definen lo que es aceptable y lo que no. Después de todo son fantasías y ficciones que pueden resultar liberadoras y útiles para el auto conocimiento. En cuanto a los aspectos formales que caracterizan mi producción puede apreciarse un interés por la anatomía humana, el paisaje natural, así como por el comportamiento de la luz.

JONATHAN GARCÍA

Abraza el mundo plural que ofrece la música, la acción, el happening, el video-arte y el audio-arte. Apasionado por las expresiones humanas y el sonido del silencio paralelo a la música sinestésica de las obras, su experiencia artística la enmarca en la colectividad y cómo la misma como sociedad configura un arte sonoro, imprescindible catalogar. Esa es su función en la actualidad. Escuchar, observar, interpretar y compartir.

MECA PRESENTA INNOACCIÓN MICROLABS EN EL MUSEO DE ALMERÍA

ENCUENTROS EXPERIENCIALES DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Del 26 al 28 de noviembre de 2020

INNOACCIÓN MICROLABS se establece como un nodo impulsor del arte contemporáneo colaborativo que se adapta muy bien al ideario en el que el arte contemporáneo actúa, en forma de contenido cultural, como expresión de los valores de cooperación y apertura.

A través de este programa de cooperación organizado por el Museo de Almería y dirigido por Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante, directores de MECA Mediterráneo Centro Artístico, contribuiremos a la implantación de un modelo de gestión artístico-cultural coordinada, haciendo uso de los recursos culturales e intelectuales de las diferentes áreas andaluzas fundamentalmente, como elementos claves del crecimiento de la economía del talento a través de la cooperación sostenible.

Con este programa se propiciará el encuentro entre artistas bajo dos formatos: por un lado el desarrollo de Encuentros Experienciales a través de los cuales los artistas realizarán obras conjuntas mediante acciones de innovación creativa elaboradas en micro laboratorios de creación (Innoacción Microlabs) en el Museo de Almería y por otro lado las charlas-coloquios en el que con la modalidad de fish bowl y durante el desarrollo de sus obras los artistas participantes establecerán un coloquio en el que hablarán sobre sus experiencias, puntos de vista y perspectivas sobre el arte contemporáneo en su región o ciudad con el objetivo de buscar puntos comunes e intercambiar conocimientos para validar nuevas propuestas de cooperación alternativas.

ENCUENTROS EXPERIENCIALES

Se establecerán diferentes espacios en Museo de Almería para que a modo de microespacios de trabajo la selección de artistas pueda desarrollar su trabajo en directo con asistencia virtual de público, interactuando entre ellos para que puedan contarles de primera mano sus experiencias en el proceso productivo y en su vida como artistas, al mismo tiempo que desarrollan sus obras. Se trata de una gran terapia grupal de creatividad.

Durante tres días, del 26 al 28 de noviembre, se realizará un encuentro creativo que bajo el concepto de trabajo colaborativo, un grupo de artistas profesionales elaborará al final de la misma un lienzo en gran formato conformado por la intervención conjunta de todos ellos, además de desarrollarse una compilación de obras individuales bajo las disciplinas de pintura, instalación, ilustración, intervención sonora y video arte. Durante el desarrollo del encuentro se tomarán notas y se elaborarán encuentros de comunicación entre los diferentes artistas que se irán transmitiendo en directo a través de internet.

Al finalizar el gran lienzo todos los participantes establecerán sus conclusiones acerca del trabajo colectivo.

ARTISTAS

Antonio de Diego Arias. Almudena Tapia Porras. José Antonio Jiménez Martínez, María Dolores Gallego, Asunción Lozano, Pedro Osakar y Moisés Belilty Molinos.

COORDINADOR DE IMAGEN E INTERVENCIÓN SONORA

Jonathan García

ENCUENTROS DE COMUNICACIÓN

IM 1.- NUEVOS LENGUAJES ARTÍSTICOS PARA NUEVOS PÚBLICOS EN UN ESTADO DE PANDEMIA

El arte en sí mismo se caracteriza porque evoluciona continuamente, se auto regenera de manera incansable a través de nuevos conceptos, nuevas formas de transmisión, en definitiva nuevos lenguajes.

Los modelos institucionales de diferentes países difieren bastante unos de otros, aún a pesar de que los lenguajes artísticos se conectan universalmente.

En este foro se analizarán los diferentes modelos de incorporación de los mismos tanto a nivel institucional-público como en centros independientes que se están generando en Andalucía y en otros países, y cómo afecta directamente a la relación entre los creativos, el arte en general con la ciudadanía, más aún en una situación de crisis mundial como la actual.

IM 2.- GESTIÓN ARTÍSTICO-CULTURAL EN ANDALUCÍA Y CON RESPECTO AL RESTO DE EUROPA. DIFERENCIAS Y SIMILITUDES

Uno de los modelos de gestión cultural que más está avanzando en Europa se basa en el concepto de redes, en el que la colaboración en forma de crowdsourcing es la más ampliamente aceptada porque una de las razones de su crecimiento exponencial es la generación de conocimiento y de estructuras de trabajo en el que el intercambio de programas y procesos son los que harán que se pongan en marcha numerosas ideas que de una manera independiente sería imposible alcanzar.

A través de este foro los participantes podrán aportar sus experiencias en estos métodos de trabajo y reflexionar sobre la evolución futura de los mismos desarrolladas en Andalucía y zona Sur de Portugal con respecto al resto de Europa

IM3.- IDENTIDADES CULTURALES. VISIONES PARALELAS

Aunque en la mayoría de los países europeos la educación artística es uno de los pilares transversales en los sistemas educativos todavía queda mucho por hacer en no tanto en las materias a impartir basadas en la adquisición de conocimientos sino en los resultados socioculturales y personales de los individuos. Estos que son los que verdaderamente generan una identidad común, una identidad cultural, ligada sin duda a la innovación y a la comprensión intercultural.

En este foro se plantearán cuestiones de identidad y en él los participantes pondrán sobre la mesa cuestiones para reflexionar sobre acciones futuras globales a llevar a cabo.

EXPOSICIÓN FINAL

Una vez finalizado el encuentro se presentarán en formato de exposición global las obras de los artistas participantes.

INAUGURACIÓN HUMANO IV. ARS VISIBILIS V

Exposición Internacional de fotógrafas

Viernes 9 de octubre a las 19.30

Humano IV. ARS VISIBILIS V. Exposición internacional de fotógrafas es la cuarta y última de las exposiciones que forman parte del programa de MECA, PHotoESPAÑA 20 y que cuenta con la participación de las fotógrafas Regina Carmona (Brasil), Jeanne Chevalier (Suiza), Asunción Lozano, Estela García, Mar Garrido e Isabel Aranda (España) que han sido comisariadas por Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante. En esta sección la Mujer Artista de los países participantes es la que tendrá el protagonismo, bajo el concepto de la construcción de la semasiología femenina. Partiendo de esta premisa, las fotógrafas participantes ofrecerán sus obras en un proyecto expositivo dinámico en torno al cuál el público asistente encontrará la palabra más adecuada ( en su idioma primigenio ) para el concepto expresado por la artista. Esta realidad estética va mucho más allá a nivel de concepto ya que con esta exposición-acción se ahondará en la historia silenciada de las artistas mujeres a lo largo de los siglos. Aún con grandes diferencias culturales entre sí, la realidad histórica ha sido común ( la invisibilidad ). Este hecho que se está superando por las reivindicaciones continuas de grupos y colectivos de mujeres artistas deberá consolidarse de una manera natural en esta era. El proceso gestal de obra-discurso dará un valor añadido a esta experiencia expositiva en la que la Mujer se erige en identidad propia visible con mensajes compartidos.

Regina Carmona

Brasil. São Paulo

Licenciada en Bellas Artes por la Escola de Comunicações e Artes USP São Paulo.

Regina Carmona, artista maestra en poética visual de la Universidad de São Paulo, su trabajo incorpora un campo de investigación y nutrición a través del arte, un diálogo de su trayectoria personal con relaciones afectivas y acogedoras con la naturaleza, con lo humano, exponiendo el cuerpo. como refugio y hogar interior, un espacio sagrado que exige amor, comida y respeto.

Activista cultural coordina la experiencia artística y los proyectos de investigación entre el conocimiento tradicional y las lenguas contemporáneas. Trabaja en colecciones y museos, es autora de arte público en el Parque Ibirapuera en São Paulo, trabaja con fotografía, performance, instalaciones, obras exhibidas internacionalmente en individuales, colectivas y bienales.

Trienal de Cracovia (Polonia); Bienal de Nuremberg (Alemania); Bienal de Ourense (España); Bienal del Duero (Portugal); Fundación Art Hame (Finlandia); Instituto Tescani (Rumania); Museo Sanskriti (India); MECA y Museo de Almería (España); Centro de Arte Recoleta (Argentina); Museo de Arte Contemporáneo de São Paulo; Galería Memorial de América Latina; Centro Cultural Vergueiro São Paulo; Museo de Arte Contemporáneo de Río de Janeiro; Museo de Arte Contemporáneo de Sorocaba; Flona de Ipanema Reserva Florestal (Brasil). La 3ª edición del proyecto Art as Food, Ritual and Offer, comisariado por él, se llevó a cabo con el apoyo del Assam State Museum, India.

Jeanne Chevalier

Suiza, 1944

Con 15 años inicia su aprendizaje en el estudio de Marguerite Courvoisier, fótografa conocida por sus retratos. Para ella, la fotografía se codea con la filosofía y a su lado descubro no solo el arte del retrato sino sobre todo el arte de vivir.

Su material fotográfico está hecho de antigüedades: les sirve de fondo un precioso Gobelin, la gran cámara de toma es de madera y ocupa gran parte de la estancia y un ligero visillo difumina la luz de una lámpara de 500 vatios. Detrás de la cámara, protegida de la luz por un gran trapo negro, sigue la escena y enfoca la imagen que aparece en el cristal esmerilado.

En cuanto al revelado, se va familiarizando con la ampliadora de madera que incorpora una lámpara de vapor de mercurio, lo que otorga a las ampliaciones un acabado especialmente suave y luminoso; aprende también la preciosa alquimia de antiguas recetas y prepara esas fórmulas mágicas para los papeles a las sales de plata cuidadosamente seleccionados.

No sabía, en aquella época, de qué forma esas mismas suavidad y luminosidad iban a impregnar sus imágenes, se tratara de grandes fotografías o de sencillas postales, pequeñas mensajeras que podía comprar cualquier y mandarlas, añadiéndoles palabras amables. Quería también encontrar en su propia vida la sabiduría y el arte de vivir de la que daba fe esta mujer tan valiosa.

Trabaja luego como fotógrafa independiente, principalmente para la prensa y documentando numerosos proyectos culturales –teatros, museos, exposiciones de pintura y escultura–. Recibe varios premios y becas –La Bourse Fédérale des Arts Appliqués en tres ocasiones, luego el Prix de la Culture de la Ville de Bienne y el Deuxième Prix de Photographie du Canton de Berne–. Su libro “Calas” obtiene el Premio Kodak en Stuttgart y “Seeland” el de los Libros Más Bellos Del Mundo en Leipzig. Esto último gracias a la excelente colaboración entre escritores, diseñadores gráficos y fotógrafa. Participa también en numerosas exposiciones, en Suiza y en el extranjero.

Asunción Lozano. Artista visual y profesora de la Universidad de Granada. Granada,1967. Su obra de carácter multidisciplinar, aborda la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía o el video. Metódica y muy interesada en los sistemas de clasificación, ha organizado su trabajo a través de series y grupos diferenciados que se han ido sucediendo a lo largo de su trayectoria. Su campo de investigación explora temas como el Cuerpo, el Territorio y la Naturaleza. En cada uno de ellos propone alcanzar objetivos como: transcender el espacio de representación de la pintura hacia un campo expandido de la escultura; advertir sobre la dimensión indómita de la naturaleza; reconstruir el sentido del territorio mediante la manipulación de imágenes aéreas tomadas de Google Earth; analizar cómo los individuos habitan el espacio social urbano; advertir de los usos en el lenguaje cotidiano y al mismo tiempo denunciar cómo los estereotipos fijan imaginarios femeninos, reivindicando la diversidad como estado ideal para lo Humano, participando en la difusión de las diferentes expresiones de género, etc.

Estela García.

Almería, 1981

Su primer contacto con la Fotografía se da en la Escuela de Imagen de Almería (2001), junto al fotógrafo madrileño Carlos de Paz. Para completar sus estudios de Fotografía se traslada a Barcelona, Institut d´estudisFotografics de Catalunya (IEFC,2002), donde más tarde se especializa en Técnicas antiguas, Ensayo fotográfico con Antonio Molinero y Desnudo con Manel Esclusa.

Toma clases en la escuela de “arterapia” ISPA, Barcelona 2007; y trabaja como profesora de Fotografía en diferentes centros, Jardins La Pau - El Prat del Llobregat y la UEC Trinit Jove - Sta Coloma del Gramanet, 2008-09. En el 2007 entra a formar parte del colectivo fotográfico KASUA, donde desarrolla trabajos

de experimentación documental como “Mujer”, “C/Mexic” o “V.G.” En el 2008 realiza un seminario a cerca de reportaje íntimo con Antoine d´Agata. Trabaja como asistente del fotógrafo Lluis Valls durante los años 2004-2008. ACA Gallery en Miami o Galería Gaudí en Madrid han representado su trabajo 2017-18 y MECA Mediterráneo Centro Artístico desde el 2019 hasta ahora.

Durante estos años se ha podido ver su trabajo en diferentes exposiciones, donde he tenido el privilegio de exponer junto a artistas como Antonio Tápies, y junto a obras de Pablo Picasso. Actualmente trabaja como directora artística del colectivo multidisciplinar INTERESTELAB.

En 2019, Fernando Barrionuevo, director de MECA comisaría su trabajo para MECA PhotoEspaña 2019.

Mar Garrido.

Mar Garrido nació en Madrid y actualmente vive en Granada. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Realizó estudios de posgrado en School of Visual Art y Parsons School of Design en la ciudad de Nueva York. Trabajó como creativa en TVE realizando cabeceras y promociones especiales de cadena en programas vinculados con el cine. En la actualidad es Profesora Titular de la Universidad de Granada en cuya Facultad de Bellas Artes imparte la asignatura Proyectos Audiovisuales.

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Londres, República Dominicana, Málaga, Granada, Murcia, Jaén, Turquía, Almería, Cádiz y Madrid. Y participado en Festivales internacionales de videoarte en Barcelona, Braga, Buenos Aires, Nueva York, Venecia, Edimburgo y Cuba entre otros.

En 2019, Fernando Barrionuevo, director de MECA comisaría su trabajo para MECA PhotoEspaña 2019.

Su trabajo se centra en la fotografía, el video de creación y la composición sonora. Aborda los procesos relacionados con el tránsito, la experiencia del viaje, el desplazamiento y el arraigo como forma de reflexión sobre el territorio, el instante y la memoria.

Le interesan los límites de la temporalidad, la relación entre una imagen y la siguiente, ese espacio intermedio que implica tener en cuenta lo que no se ve, el fuera de campo, el intervalo entre las cosas. Busca en la tensión que se establece entre la imagen fija y la imagen en movimiento; en el momento aparentemente detenido y la sucesión y alteración de procesos que acontecen a distintas velocidades; en la repetición y el cambio. Trata de distinguir el tiempo que se detiene en los espacios creados entre esas alteraciones.

Isabel Aranda.

Almería, 1962

Desarrolla su labor profesional en su ciudad natal. Fotógrafa autodidacta, inicia su faceta artística a finales de los años noventa. Ha perfilado su técnica gracias a los conocimientos adquiridos en la Escuela de Artes y Oficios, y en los talleres del Centro Andaluz de la Fotografía. Su obra ha sido merecedora de premios diversos y ha aparecido publicada en diarios, revistas, libros artísticos y catálogos.

A lo largo de los años, participa en numerosas exposiciones colectivas de toda la geografía nacional y es en el Centro de los Visitantes de las Amoladeras donde se recoge su primera exposición individual. Posteriormente, expone en el Museo de la ciudad de Almería su obra “Una mirada más”, que se recoge en un libro editado por El Gaviero ediciones.

Actualmente, ha llevado a cabo los trabajos “Tu rincón preferido”, en el Centro Andaluz de la Fotografía y “Acuérdate”, en la Sala Alfareros de la Diputación de Almería. En 2019, Fernando Barrionuevo, director de MECA comisaría su trabajo para MECA PhotoEspaña 2019.

Por segundo año consecutivo MECA Mediterráneo Centro Artístico se convierte en Sede Oficial de PHotoESPAÑA 2020, contando con la colaboración de la Universidad de Almería. PHE20 es el Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales más importante organizado en el territorio nacional. Es, ante todo, un festival hecho por y para la sociedad. Junto a las exposiciones se organizan diversas actividades abiertas al gran público, que convierten el Festival en un acontecimiento total.

Al igual que ocurriera el año pasado, MECA se erige como única sede en la provincial de Almería y es de destacar que para esta edición de PHE20, MECA Mediterráneo Centro Artístico ha organizado una gran exposición de fotografía contemporánea en la han participado 12 fotógrafos de gran reconocimiento nacional e internacional, además de celebrar el programa internacional de fotógrafas ARS VISIBILIS V, que ahora se presenta , todos ellos bajo el título genérico de HUMANO y que pondrá en valor el gran talento y la trayectoria profesional de estos creadores.

CALENDARIO

HUMANO IV. ARS VISIBILIS V. Exposición Internacional de fotógrafas

Del 9 al 29 de octubre

Horario: De lunes a jueves de 18 a 21 h.

CRÉDITOS

Inauguración HUMANO III. EL TIEMPO. 11 de septiembre a las 20 h

Sede: Sala MECA. C/ Navarro Darax 11. Almería

Directores. Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante

Contacto: meca@centromeca.com. +34 620 938 515

Web. www.centromeca.com

ENTREVISTA A ASUNCIÓN LOZANO

CON MOTIVO DE SU PARTICIPACIÓN EN MECA PHOTOESPAÑA 2020

INAUGURACIÓN HUMANO III. EL TIEMPO. MECA PHE20

11 de Septiembre a las 20 h. Cita previa en info@centromeca.com

Humano III. El Tiempo es la tercera de las exposiciones que forman parte del programa de MECA, PHotoESPAÑA 20 y que cuenta con la participación de los artistas Asunción Lozano, José Luis Lozano, Karlos Kaplan y Antonio Jesús García que han sido comisariados por Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante. Las fotografías que se muestran se han producido bajo un concepto metódico, evocador y conceptual. Este tercer escenario se desenvuelve en un entorno natural o provocado por el paso del tiempo, convirtiéndose en un punto de fuga, en un instante de contemplación.

HUMANO convierte a MECA, en un espacio de historias, reales o inventadas, pero historias de conceptos, de vida, de acción y de emoción.

Asunción Lozano. Artista visual y profesora de la Universidad de Granada. Granada,1967. Su obra de carácter multidisciplinar, aborda la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía o el video. Metódica y muy interesada en los sistemas de clasificación, ha organizado su trabajo a través de series y grupos diferenciados que se han ido sucediendo a lo largo de su trayectoria. Su campo de investigación explora temas como el Cuerpo, el Territorio y la Naturaleza. En cada uno de ellos propone alcanzar objetivos como: transcender el espacio de representación de la pintura hacia un campo expandido de la escultura; advertir sobre la dimensión indómita de la naturaleza; reconstruir el sentido del territorio mediante la manipulación de imágenes aéreas tomadas de Google Earth; analizar cómo los individuos habitan el espacio social urbano; advertir de los usos en el lenguaje cotidiano y al mismo tiempo denunciar cómo los estereotipos fijan imaginarios femeninos, reivindicando la diversidad como estado ideal para lo Humano, participando en la difusión de las diferentes expresiones de género, etc.

En MECA presenta la serie Ever Green que se corresponde con unas imágenes tomadas de algunos cementerios de Nueva York y Londres. Se valora el componente paisajístico y botánico de estos espacios. Se han recortado las lápidas y las tumbas de esos cementerios y se han dejado abiertos los huecos perforados. La ausencia de referencias mortuorias deja en evidencia un paisaje alterado que intensifica las ausencias.

José Luis Lozano. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Docente en la Universidad Miguel Hernández de Elche, Alicante. Motril, 1985. Su obra reflexiona sobre el uso de las nuevas herramientas digitales en el proceso de la creación artística. Su trabajo de investigación gira en torno al uso de las nuevas tecnologías de la vigilancia tanto en el campo de la educación como para la creación artística. Sus proyectos exploran la relación entre las ciudades, el territorio y los espacios de poder y la manera que tiene el ciudadano contemporáneo de habitarlas, reflexionando sobre cómo el desarrollo de las urbes modifica patrones sociales y determina nuestra relación con el entorno. Como investigador cuestiona los límites entre el espacio público y el espacio privado, analizando las cartografías políticas y el estudio sobre las nociones de frontera y la dicotomía como lo local y lo global.

La Propuesta La balsa de la medusa que presenta en MECA lo que propone a través de una serie de imágenes de archivo periodístico, es visibilizar la problemática migratoria con fotografías de las personas que pierden diariamente la vida en un intento de cruzar la frontera entre el continente africano y Europa en busca de una mejor situación política, social y de bien estar. Se trata de demostrar el peligro real que corren sus vidas los migrantes durante su viaje, y nos dan una imagen de lo desesperados que tienen que estar para enfrentarse a esta situación. Ellos gastan todo lo que tienen para pagar a estas mafias que negocian con cuerpos, embarcándolos a un viaje donde están firmando en la mayoría de los viajes una sentencia de muerte.

Karlos Kaplan. Es el seudónimo de Carlos Fernández Sánchez (Almería, 1980), diseñador gráfico y artista visual desde 1999. En la actualidad reside y trabaja por libre en Leipzig, Alemania, bajo su firma-marca personal “Karlos Kaplan” compaginando su labor dentro del diseño, la fotografía y la comunicación con el desarrollo de su obra artística más personal, investigando las posibilidades expresivas de la fotografía combinadas tanto con procedimientos mecánicoanalógicos y/o técnicas de ilustración digital, como con el uso de soportes y materiales que se alejan del mundo fotográfico tradicional. Paralelamente deja siempre una puerta abierta a la investigación gráfica más allá de la cámara fotográfica.

De todos es conocida la llamada “Geometría Sagrada” a través de la cual se rige toda la creación en el universo, a través de la cual la naturaleza ejecuta patrones perfectos y milagrosos de crecimiento y evolución. Pero yo me pregunto… ¿estos patrones, este “milagro geométrico” sucede también en el sentido inverso, es decir, en la destrucción, el deterioro?. La serie Geometría abandonada que presenta en MECA, es una investigación, una búsqueda de la Belleza Sagrada en el aparentemente desagradable deterioro material, que igualmente pertenece a este universo en constante cambio y evolución.

Antonio Jesús García. Almería, 1964. Sus influencias son underground y procedentes del mundo del cómic sobre todo y tal vez demasiado cine de Serie B, abarcando espectros tan dispares como Lee Friedlander, Robert Frank, Stanley Kubrick, Raymond Carver, Bernardo Atxaga. De ahí que sus primeros pasos en el mundillo del “arte” fueran como dibujante de comics, titiritero, editor de fanzines, diseñador gráfico y posteriormente fotógrafo. Esto en un entorno ultraperiférico como Almería resulta siempre rompedor.

Profesor de Fotografía en la Escuela de Arte de Almería, ha impartido seminarios sobre cómics y fotografía en centros de referencia como la Universidad de Almería, Escuela de Arte de Sevilla, Instituto de Estudios Almerienses, etc.

Cómo fotógrafo, el autor, he querido hacer un nuevo proyecto personal que refleje la situación actual de la calle, de las personas, bajo la influencia del Coronavirus. La humanidad se ha visto sometida a una situación extraordinaria e histórica y de consecuencias desconocidas. Por ello desde el día en el que se permitió salir a pasear fue fraguando la idea de hacer una serie de fotos de ese nuevo entorno.

Esta nueva serie Mascarillas que presenta en MECA se puede encuadrar dentro del proyecto humanista de fotografía de calle que el autor lleva realizando desde hace muchos años, y comparte con sus anteriores trabajos el ser una reflexión sobre la identidad individual y colectiva de la ciudadanía. Un estudio del entorno que habitamos, a partir de la fotografía.

ENTREVISTA A FRANCISCO UCEDA

CON MOTIVO DE SU PARTICIPACIÓN EN MECA PHOTOESPAÑA 2020

ENTREVISTA A PEDRO OSAKAR

CON MOTIVO DE SU PARTICIPACIÓN EN MECA PHOTOESPAÑA 2020

ENTREVISTA A ILAN WOLFF

CON MOTIVO DE SU PARTICIPACIÓN EN MECA PHOTOESPAÑA 2020

ENTREVISTA A EMILIO BARRIONUEVO

CON MOTIVO DE SU PARTICIPACIÓN EN MECA PHOTOESPAÑA 2020

MECA PHOTOESPAÑA 2020 INAUGURA

EXPOSICIÓN HUMANO II. HÁBITATS

Inauguración. Viernes 14 de agosto a las 20 h

Humano II. Hábitats es la segunda de las exposiciones que forman parte del programa de MECA, PHotoESPAÑA 20 y que cuenta con la participación de los artistas Pedro Osakar (Navarra-Granada), Emilio Barrionuevo (La Palma, Canarias), Ilan Wolff (Israel-Almería) y Francisco Uceda (Almería) que han sido comisariados por Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante. Las fotografías que se muestran se han producido bajo un concepto metódico, evocador y conceptual. Este segundo escenario se plantea en torno a la propia visión fotográfica del autor en la que nos muestra al ser humano en su propio contexto real o inventado, sin que éste sea consciente de sus propias envolturas. Es un recorrido por ciudades, espacios, hábitats, destrucción o supervivencia.

Pedro Osakar. Artista visual y profesor de la Universidad de Granada. Pamplona-Iruña 1965. Licenciado en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco en 1988. Doctor en Bellas Artes en la Universidad de Granada en 1993. Su trayectoria artística ha puesto de manifiesto desde un principio los temas principales de su investigación; el fenómeno del límite, la ambigüedad entre las tradicionales disciplinas del arte y el enfrentamiento a la tarea del arte desde un punto de vista fundamentalmente conceptual y antropológico.

El proyecto Sings que presenta es una serie de fotografías de letreros de neón, muy típicos y en desuso, de los años 60 en Nueva York. La búsqueda y documentación de estos letreros supuso una rutina divertida y por momentos surrealista. Subir a las azoteas de los edificios colindantes, cuando los había, o encontrar el mejor punto de vista desde la calle más cercana no era más que la excusa para ir a parar a lugares insospechados. Una ciudad como Nueva York está plagada de barrios enteros en los que los bordes entre lo residencial y lo industrial se mezclan y confunden. Es esta una característica que los europeos extrañamos y que tanto nos confunde respecto a la experiencia de nuestras ciudades.

Emilio Barrionuevo. Su mundo fotográfico gira alrededor del rostro humano y de las emociones. Captar una emoción en un rostro es lo máximo que aspiro en mi trabajo. Aunque su principal objetivo es el artístico, lo cierto es que su obra fotográfica ha sido reconocida con diversos premios y menciones: premio Portrait Photo Award (2017), premio Lux (Barcelona, 2017), doble mención de honor en los premios Monochrome Photography Awards International Black and White (Estados Unidos, 2017) y mención de honor en los premios International Photographer of the Year (Londres, 2018). Estos galardones han tenido en cuenta sus trabajos en blanco y negro, como Nómadas, serie protagonizada por modelos con rasgos cargados de expresividad. De igual forma, su proyecto Recuérdame comparte esa fuerza de los retratos, hechos en este caso a personas mayores. Este año ha sido elegido como uno de los mejores fotógrafos del siglo XXI. El proyecto ‘Quintessence 2000-2020’

Ilan Wolff. un fotógrafo israelita (nacido en Nahariya, Israel, en 1955) y afincado en Almería con una trayectoria profesional de más de 30 años, especializada en crear fotografías usando la técnica de la Cámara Oscura, con cámaras hechas a partir de viejas cajas o latas. Actualmente el usa principalmente su furgoneta y habitaciones comunes para crear imágenes de mayor formato. Y también crea fotos con las típicas latas, pimientos, cavadas en la tierra o usando la luz de la luna. Ilan ha experimentado con numerosas técnicas que lo han posicionado como un fotógrafo innovador en el uso de cámaras estenopeicas, una de las más llamativas es la técnica del lunagrama, que consiste en trabajar por la noche y al aire libre, teniendo la luz de la luna como única fuente de energía. La otra técnica que utiliza es la del calorigrama, donde la luz no está implicada dentro del proceso, y es el calor la única fuente de energía para plasmar la imagen en el papel fotosensible

Francisco Uceda. Nacido en Almería, reside en Nueva York, El enfoque artístico de Francisco Uceda ha cuestionado en gran medida las convenciones, los arquetipos y los estereotipos en el imaginario colectivo occidental. Sus retratos se sitúan a medio camino entre el documento sincero y el disfraz, entre la realidad y, a veces, una ficción conmovedora, creando un cuerpo de trabajo que atraviesa su experiencia personal, pero incrustado en el actual discurso social, político o artístico. Uceda ha sido galardonado dos veces el Premio Imágenes Jóvenes del Instituto de la Juventud de España, y ha sido invitado dos veces para participar en la Bienal de Jóvenes Artistas de Europa y del Mediterráneo. Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales de fotografía y cuenta con más de treinta exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales. Su trabajo ha sido expuesto en España, Italia, Portugal, Alemania y Estados Unidos. En España, está representado por MECA, y en Nueva York su obra se exhibe regularmente en Soho Photo y Clen Gallery. Actualmente enseña en el NYCDOE y CCNY.

Francisco Uceda nos presenta en primicia su última serie fotográfica Infraviviendas, con la que pretende dar visibilidad a una realidad que, por muy delante de nuestros ojos que está, parece no importarnos, como es la realidad sobre los asentamientos chabolistas en donde habitan los inmigrantes, que aparecen y desaparecen, que son desalojados y demolidos según los caprichos del gobierno de turno. En el siglo XXI, en un país europeo, tenemos que encontrar soluciones para que los inmigrantes encuentren alojamientos dignos y homologables con el primer mundo.

MECA INAUGURA PHOTOESPAÑA 2020 MECA SEDE OFICIAL

EXPOSICIÓN HUMANO I. EL YO

Inauguración. Viernes 17 de julio a las 20 h

Humano I. El Yo es la primera de las exposiciones que forman parte del programa de MECA, PHotoESPAÑA 20 y que cuenta con la participación de los artistas Paco Peregrín ( Almería), Ángel Pantoja (Sevilla), Mónica Vázquez Ayala (Málaga) y Ángel García Roldán (Granada) que han sido comisariados por Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante. Las fotografías que se muestran se han producido bajo un concepto metódico, evocador y conceptual. Este primer escenario fotográfico se plantea en torno a la identidad del Yo. Caras, cuerpos y almas se ajustan al imaginario del autor. En esta introducción el nosotros se queda fuera de ámbito y el yo se contonea en su propio mundo, en un universo de formas nuevas, impactantes, gestuales, escenográficas e imaginadas.

Paco Peregrín, presenta 2 fotografías bajo el título Diamonds in your mind, y en ellas fusiona perfectamente el futurismo hiperreal con imágenes de belleza de alta gama. Su trabajo se define por un marcado carácter de hibridación de estilos donde se unen las últimas tendencias estéticas y los reflejos conceptuales más personales, proporcionando a sus imágenes un aspecto sensual, elegante y misterioso, incluso perturbador.

Ángel Pantoja, traduce la fotografía en un lienzo en el que despliega todo un imaginario donde nada aparece azarosamente, adentrándonos en escenas fantásticas que transmiten un mensaje muy real, como ocurre con la obra GEA que nos presenta en Humano I. El Yo. En esta pieza observamos un retrato de la actriz española Mariola Fuentes, donde su cuerpo enraíza en la tierra y se prolonga hasta infinito, ramificado, expandido, bello en toda su complejidad, y como el propio artista expresa: «GEA es un canto a la superación, un premio al trance y una sintonía con la naturaleza como medio para el crecimiento personal. El juego de fuego y calor, un abedul que muestra sus cicatrices como heridas de guerra, pero que destila dulzura, metáfora de la generosidad de la naturaleza y de la retratada». La obra representa la capacidad del ser humano para regenerarse, de su toma de consciencia de ser parte de una naturaleza que le brinda una vida llena de contradicciones, donde el esplendor nace de la actitud y la gallardía, elementos que posibilitan al individuo darse a sí mismo la oportunidad de una metamorfosis. De lo que no cabe duda es que GEA encarna la fuerza serena de quien ha vencido el miedo y la belleza herida de quien se atreve a vivir. ( Texto de María Arregui Montero )

Mónica Vázquez Ayala nos presenta tres fotografías bajo el título Una historia humana de abejas, en la que integra diversos elementos simbólicos (El tarot, la Torre de Babel, los astros, los animales) con los que desgrana el aura trágica que rodea los vínculos del ser humano con la naturaleza. En su narrativa las abejas aparecen como agentes esenciales de nuestro ecosistema. La artista construye historias; en este caso simulando una tirada de tarot desde un punto de vista constructivo, enfocándose en la resiliencia sobre la necesidad de ser conscientes de la emergencia climática y la protección de lo natural; específicamente en la relación entre las abejas y el humano como eje de vida.

No hay futuro sin el entorno que nos rodea y nos sostiene.

La historia comienza con “La torre de babel”, donde no hay comunicación, ni intercambio equitativo, donde el humano intercede de forma egoísta en el ciclo natural de la tierra, y al que le sigue” La Maison Dieu”, en la cual en la naturaleza del humano para darse cuenta, necesita caer … y el desenlace, en el cual el humano se hace consciente (“Erbarme dich mein Gott”/”Apiádate de mi, Dios mío”).

Ángel García Roldán, nos muestra 6 fotografías de la serie Ushiro (hacia atrás).

Según el autor, los tiempos de crisis siempre acechan al ser humano, son consustanciales a él, descritos desde la ontología como desde la filogénesis. Las obras expuestas, de inspiración oriental suponen una alegoría en tiempos de crisis en torno al paso del tiempo y el camuflaje de los deseos, implícito en cualquier cultura en la que exista una transformación visual del propio ser con objeto de mostrarse a los demás. La serie muestra un proceso performático de

transformación ritual, en el que una mujer experimenta esta metamorfosis. La alusión a la idea de proceso, de paso del tiempo y de “augenblick” (termino germano que significa: momento o instante preciso), es una constante a lo largo de toda la serie en la que la idea de “hacia atrás”plantea la dicotomía del individuo: El ‘Yo’ es solo lo que permanece mientras se tenga constancia de ello; el ‘yo-transformado’ es una indefinición de lo que somos, como una

imagen reflejada en un espejo. Tan volátil y escurridizo como el deseo; tan irreal como cualquier sueño.

Al igual que ocurriera el año pasado, MECA se erige como única sede en la provincial de Almería y es de destacar que para esta edición de PHE20, MECA Mediterráneo Centro Artístico ha organizado una gran exposición de fotografía contemporánea en la van a participar 12 fotógrafos de gran reconocimiento nacional e internacional, además de celebrar el programa internacional de fotógrafas ARS VISIBILIS V y que se desarrollará durante los meses de julio a octubre en la sala MECA, en Almería, bajo el título de HUMANO y que pondrá en valor el gran talento y la trayectoria profesional de estos creadores.

También se han organizado diferentes actividades off y on, que se irán visionando y desarrollando a lo largo de los cuatro meses que dura el proyecto

MECA ABRE LA CONVOCATORIA INTERNACIONAL PARA PARTICIPAR EN

ARS VISIBILIS V. EXPOSICIÓN INTERNACIONAL DE FOTÓGRAFAS

PHOTOESPAÑA 2020. MECA SEDE OFICIAL.

EXPOSICIÓN VIRTUAL

Plazo de presentación. Hasta el 4 de septiembre de 2020

Bases

Formulario

MECA Mediterráneo Centro Artístico abre la convocatoria internacional a fotógrafas para participar en ARS VISIBILIS V. dentro del Programa PhotoEspaña 2020 de MECA, sede oficial, que tendrá lugar en formato virtual, proyectándose en la Sala MECA y en la web www.centromeca.com, así como en las redes sociales y canales de video de MECA, del 9 al 29 de octubre de 2020.

Podrán participar las fotógrafas de cualquier país y sin límite de edad bajo la única disciplina de fotografía, finalizando el plazo de presentación el día 4 de septiembre de 2020.

ARS VISIBILIS V

En esta edición de ARS VISIBILIS, la Mujer Artista (fotógrafa) de los países participantes es la que tendrá el protagonismo, bajo el concepto de la construcción de la semiología femenina. Partiendo de esta premisa, las fotógrafas participantes expondrán sus obras en un proyecto expositivo dinámico en torno al cual el público encontrará la palabra más adecuada (en su idioma primigenio) para el concepto expresado por la artista. Esta realidad estética va mucho más allá a nivel de concepto ya que con esta exposición-acción se ahondará en la historia silenciada de las artistas mujeres a lo largo de los siglos. Aún con grandes diferencias culturales entre sí, la realidad histórica ha sido común (la invisibilidad). Este hecho que se está superando por las reivindicaciones continuas de grupos y colectivos de mujeres artistas deberá consolidarse de una manera natural en esta era. El proceso Gestalt de obra-discurso dará un valor añadido a esta experiencia expositiva en la que la Mujer se erige en identidad propia visible con mensajes compartidos.

ARRANCA PHOTOESPAÑA EN MECA SEDE OFICIAL

EXPOSICIÓN HUMANO

Del 17 de julio al 29 de octubre de 2020

A modo de relato, se presentará una selección de fotografías de los 12 artistas participantes, bajo el comisariado de Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante, que han producido bajo un concepto metódico, conceptual y evocador. La forma y el fondo se fusionan en esta gran muestra bajo el nexo de tres escenarios principales, en los que la intervención humana es la que rige el contenido de la historia.

El primer escenario se plantea en torno a la identidad del Yo. Caras, cuerpos y almas se ajustan al imaginario del autor. En esta introducción el nosotros se queda fuera de ámbito y el yo se contonea en su propio mundo, en un universo de formas nuevas, impactantes, gestuales, escenográficas e imaginadas.

En el segundo escenario la visión fotográfica del autor nos muestra al ser humano en su propio contexto real, sin que éste sea consciente de sus propias envolturas. Es un recorrido por ciudades, espacios, hábitats, destrucción y supervivencia.

Por último, el escenario del entorno natural o provocado por el paso del tiempo, éste se convierte en un punto de fuga, en un instante de contemplación.

HUMANO convierte a MECA, en un espacio de historias, reales o inventadas, pero historias de conceptos, de vida, de acción y de emoción.

ARS VISIBILIS V. EXPOSICIÓN INTERNACIONAL DE FOTÓGRAFAS

En esta sección la Mujer Artista de los países participantes es la que tendrá el protagonismo. Bajo el concepto de la construcción de la semiología femenina. Partiendo de esta premisa, las fotógrafas participantes ofrecerán sus obras en un proyecto expositivo dinámico en torno al cuál el público asistente encontrará la palabra más adecuada ( en su idioma primigenio ) para el concepto expresado por la artista. Esta realidad estética va mucho más allá a nivel de concepto ya que con esta exposición-acción se ahondará en la historia silenciada de las artistas mujeres a lo largo de los siglos. Aún con grandes diferencias culturales entre sí, la realidad histórica ha sido común ( la invisibilidad ). Este hecho que se está superando por las reivindicaciones continuas de grupos y colectivos de mujeres artistas deberá consolidarse de una manera natural en esta era. El proceso gestal de obra-discurso dará un valor añadido a esta experiencia expositiva en la que la Mujer se erige en identidad propia visible con mensajes compartidos.

EN PARALELO. ACTIVIDADES EN ABIERTO

Tanto de manera presencial como virtual y durante los meses de exposición de PhotoESPAÑA 2020 en MECA, desarrollaremos una serie de actividades paralelas argumentando así las zonas abiertas como espacios de reflexión y de capacitación en el que las acciones artísticas en directo, los encuentros y las charlas, completarán el relato de la exposición a modo de desenlaces concatenados de acción-reacción.

VISITAS GUIADAS Y PROGRAMA PEDAGÓGICO

A lo largo del período expositivo realizaremos varias visitas guiadas para que el público conecte su mente con la de cada uno de los artistas participantes utilizando como nexo de unión las obras. Para fomentar la participación y activar la curiosidad se elaborarán visitas en formatos tours dinámicos o estáticos en línea y fuera de línea.

El objetivo de HUMANO PH20 es mostrar un recorrido de obras y experiencias artísticas resultados de esas investigaciones individuales pero que bajo un contexto común como es la mente y los entornos del ser humano la muestra nos presenta un único resultado compartido aún a pesar de las diferencias de cada uno de los artistas participantes.

A través de este programa se les dotará a las diferentes audiencias de las herramientas adecuadas para que puedan conceptualizar sus propias obras con el objeto de ofrecer una descripción concreta tanto del proceso creativo como de la obra final.

HUMANO I. EL YO. Del 17 de Julio al 6 de agosto de 2020.

Artistas: Paco Peregrín. Mónica Vázquez Ayala. Ángel García Roldán. Ángel Pantoja.

HUMANO II. HÁBITATS. Del 14 de agosto al 3 de septiembre de 2020

Artistas: Pedro Osakar. Emilio Barrionuevo. Ilan Wolff. Francisco Uceda.

HUMANO III. EL TIEMPO. Del 11 de Septiembre al 1 de octubre de 2020

Artistas: Asunción Lozano. José Luis Lozano. Karlos Kaplan. Antonio Jesús García

HUMANO IV. ARS VISIBILIS V. Exposición Internacional de fotógrafas

Del 9 al 29 de octubre

EXPOSICIÓN KAIRÓS EN EL INSTITUTO CERVANTES DE PARÍS

Catalogo MECA Exposición Kairós en el Instituto Cervantes de París

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El Ministerio de Cultura otorga el Sello Cultura y Mecenazgo a MECA

El Ministerio de Cultura ha otorgado el Sello Cultura y Mecenazgo a MECA Mediterráneo Centro Artístico en reconocimiento a su contribución y compromiso con la cultura y las artes visuales contemporáneas que durante más de tres décadas esta organización lleva dedicando a la organización de programas y proyectos de manera sostenible y en torno al Arte Contemporáneo en todas sus áreas de actuación, desde la producción, la organización de programas expositivos y encuentros, la capacitación, la consultoría estratégica o la programación de acciones de cooperación cultural para la puesta en marcha de redes colaborativas trasnacionales. A través de esta distinción se pone en valor el esfuerzo continuo y el compromiso que MECA desarrolla en torno al mecenazgo cultural, bien mediante acciones directas llevadas a cabo por la entidad o a través de la difusión y proclama de la necesidad de implicar a la sociedad económica o civil tanto en el ámbito privado como en el público para su participación activa en programas de arte contemporáneo mediante acciones de mecenazgo y otras de índole de responsabilidad social.

Es de destacar que en el decálogo de actuaciones llevadas a cabo por MECA se incluyen actuaciones continuas para fomentar el mecenazgo artístico y cultural alentando a la colaboración responsable en programas culturales de calidad para conseguir los principales objetivos que cualquier sociedad madura y con miras hacia el progreso debe marcarse. Entre ellos podemos citar la promoción y difusión del arte contemporáneo a nivel nacional e internacional, el fomento de la participación de la sociedad en las diferentes manifestaciones del arte contemporáneo, la implicación con los agentes educativos para estimular la formación y entendimiento de las nuevos lenguajes artísticos, la acogida de jóvenes artistas en el mundo profesional del arte contemporáneo, la defensa y visibilidad de las carreras profesionales de los artistas y el fomento de la profesionalidad en el Arte Contemporáneo, entre otros.

Como impulsores del Mecenazgo y actores directos han organizado numerosos proyectos nacionales e internacionales de arte contemporáneo en diferentes entidades con contribuciones ad hoc por parte de esta organización almeriense.

El sello Cultura y Mecenazgo permite identificar de manera clara y directa a aquellas organizaciones que contribuyen a reconocer, fomentar e incentivar el mecenazgo cultural.

Como indica el director y fundador de MECA, el artista Fernando Barrionuevo, después de más de 30 años trabajando con los mismos principios y valores, de ser un espacio que crea comunidad, promociona el arte y la cultura contemporáneas, promueve la internacionalización mediante la conectividad y el desarrollo de programas profesionales para artistas emergentes y consolidados y genera contenido con sus programas expositivos, de capacitación y de encuentros, entendemos que la expansión del arte contemporáneo en todas sus manifestaciones, así como la inclusión de diferentes comunidades de artistas tanto a nivel nacional como internacional son los pilares fundamentales para cualquier proyecto profesional en este siglo XXI en el que la inclusión, la conectividad y la empatía son las bases para el crecimiento y el avance hacia el la mejora continua. Nuestra obligación es generar futuro con acciones concretas en el presente y hacer partícipe a las diferentes audiencias de esas experiencias creativas compartidas.

MECA Mediterráneo Centro Artístico ha promovido importantes proyectos de promoción del arte contemporáneo como las 3 ediciones de las Bienales Internacionales de Arte Contemporáneo, ciudad de Almería, a través de la cuál los fondos patrimoniales de esta ciudad albergan obras de prestigiosos artistas como son Pepe Espaliú o Hannah Collins entre otros, la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Parque Natural Cabo de Gata Níjar, ALBIAC 2006 que supuso el mayor evento en torno al arte celebrado en la totalidad de un parque natural, la actual PHotoESPAÑA 2019 como Sede Oficial, los programas internacionales desarrollados en Francia, China, Omán, Italia, Brasil, Japón, Portugal, entre otros países, los programas ciudad ejecutados en entornos rurales y en la propia capital de Almería, los proyectos para artistas andaluces gestionados y celebrados en toda la comunidad autónoma, los encuentros de comunicación entre diferentes agentes y gestores culturales, entre otros. MECA ha aportado a la provincia de Almería el intelecto y experiencias de artistas tan prestigiosos como el Premio Nacional de las Artes Plásticas Isidoro Valcárcel, Rafael Canogar, Martín Chirino, Gerardo Rueda o Chema Alvargonzález, críticos de arte como José Luis Brea, Rosa Queralt, Rosa Olivares o Fernando Castro, ha promocionado a más de un millar de artistas entre un cuantioso número de proyectos organizados durante su trayectoria.

Sin duda 30 años de trabajo continuo y en pura transformación hacia los nuevos tiempos, que de nuevo es reconocido por el Ministerio de Cultura como única organización en Andalucía y que los directores de MECA, Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante no dudan en ofrecerlo a Almería para compartir los principios, los valores y el alto grado de compromiso hacia la contemporaneidad y la expansión del talento, que esta concesión supone.

EL MINISTERIO DE CULTURA INCORPORA A MECA EN LA RED DE ESPACIOS CREATIVOS

El Ministerio de Cultura y Deporte nos ha incorporado a la Red Nacional de Espacios Creativos. Una excelente noticia no solo para MECA Mediterráneo Centro Artístico sino también para Almería, ya que nos convertimos así en nodo impulsor de la creatividad, el arte contemporáneo en todas sus manifestaciones, la #capacitación y la gestión cultural.

Descripción de espacio creativo por parte del Ministerio de Cultura “Bajo el término Espacio creativo se aglutinan una serie de equipamientos culturales, cada uno con sus particularidades en cuanto a los objetivos y áreas de especialización, centrados en el fomento del emprendimiento en esta industria y que están destinados a dar apoyo a la creatividad, el talento y la innovación. También llamados incubadoras, viveros de proyectos y empresas culturales, hubs o fábricas de creación, entre otros términos, estos espacios han adquirido en los últimos años una gran relevancia como respuesta a la nueva economía colaborativa y a las necesidades del sector de las industrias culturales y creativas.”

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Promocionar y difundir el arte contemporáneo a nivel nacional e internacional
Fomentar la participación de la sociedad pública en las diferentes manifestaciones del arte contemporáneo
Estimular la educación en las nuevos lenguajes artísticos
Dar cabida a los jóvenes artistas en el mundo profesional del arte contemporáneo
Defender y dar visibilidad a las carreras profesionales de los artistas contemporáneos
Fomentar la profesionalidad en el Arte Contemporáneo

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Promoción y difusión a medios a nivel nacional e internacional
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