MECA PRESENTA INNOACCIÓN MICROLABS EN EL MUSEO DE ALMERÍA

ENCUENTROS EXPERIENCIALES DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Del 26 al 28 de noviembre de 2020

INNOACCIÓN MICROLABS se establece como un nodo impulsor del arte contemporáneo colaborativo que se adapta muy bien al ideario en el que el arte contemporáneo actúa, en forma de contenido cultural, como expresión de los valores de cooperación y apertura.

 

A través de este programa de cooperación organizado por el Museo de Almería y dirigido por Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante, directores de MECA Mediterráneo Centro Artístico,  contribuiremos a la implantación de un modelo de gestión artístico-cultural coordinada, haciendo uso de los recursos culturales e intelectuales de las diferentes áreas andaluzas fundamentalmente, como elementos claves del crecimiento de la economía del talento a través de la cooperación sostenible.

 

Con este programa se propiciará el encuentro entre artistas bajo dos formatos: por un lado el desarrollo de Encuentros Experienciales a través de los cuales  los artistas realizarán obras conjuntas mediante acciones de innovación creativa elaboradas en micro laboratorios de creación (Innoacción Microlabs) en el Museo de Almería y por otro lado las charlas-coloquios en el que con la modalidad de fish bowl y durante el desarrollo de sus obras los artistas participantes establecerán un coloquio en el que hablarán sobre sus experiencias, puntos de vista y perspectivas sobre el arte contemporáneo en su región o ciudad con el objetivo de buscar puntos comunes e intercambiar conocimientos para validar nuevas propuestas de cooperación alternativas.

 

ENCUENTROS EXPERIENCIALES

 

Se establecerán diferentes espacios en Museo de Almería para que a modo de microespacios de trabajo la selección de artistas pueda desarrollar su trabajo en directo con asistencia virtual de público, interactuando entre ellos para que puedan contarles de primera mano sus experiencias en el proceso productivo y en su vida como artistas, al mismo tiempo que desarrollan sus obras. Se trata de una gran terapia grupal de creatividad.

 

Durante tres días, del 26 al 28 de noviembre, se realizará un encuentro creativo que bajo el concepto de trabajo colaborativo, un grupo de artistas profesionales elaborará al final de la misma un lienzo en gran formato conformado por la intervención conjunta de todos ellos, además de desarrollarse una compilación de obras individuales bajo las disciplinas de pintura, instalación, ilustración, intervención sonora y video arte. Durante el desarrollo del encuentro se tomarán notas y se elaborarán encuentros de comunicación entre los diferentes artistas que se irán transmitiendo en directo a través de internet.

Al finalizar el gran lienzo todos los participantes establecerán sus conclusiones acerca del trabajo colectivo.

 

ARTISTAS

Antonio de Diego Arias. Almudena Tapia Porras. José Antonio Jiménez Martínez, María Dolores Gallego, Asunción Lozano, Pedro Osakar y Moisés Belilty Molinos.

 

COORDINADOR DE IMAGEN E INTERVENCIÓN SONORA

Jonathan García

 

ENCUENTROS DE COMUNICACIÓN

 

IM 1.- NUEVOS LENGUAJES ARTÍSTICOS PARA NUEVOS PÚBLICOS EN UN ESTADO DE PANDEMIA

 

El arte en sí mismo se caracteriza porque evoluciona continuamente, se auto regenera de manera incansable a través de nuevos conceptos, nuevas formas de transmisión, en definitiva nuevos lenguajes.

Los modelos institucionales de diferentes países difieren bastante unos de otros, aún a pesar de que los lenguajes artísticos se conectan universalmente.

En este foro se analizarán los diferentes modelos de incorporación de los mismos tanto a nivel institucional-público como en centros independientes que se están generando en Andalucía y en otros países, y cómo afecta directamente a la relación entre los creativos, el arte en general con la ciudadanía, más aún en una situación de crisis mundial como la actual.

 

IM 2.- GESTIÓN ARTÍSTICO-CULTURAL EN ANDALUCÍA Y CON RESPECTO AL RESTO DE EUROPA. DIFERENCIAS Y SIMILITUDES

 

Uno de los modelos de gestión cultural que más está avanzando en Europa se basa en el concepto de redes, en el que la colaboración en forma de crowdsourcing es la más ampliamente aceptada porque una de las razones de su crecimiento exponencial es la generación de conocimiento y de estructuras de trabajo en el que el intercambio de programas y procesos son los que harán que se pongan en marcha numerosas ideas que de una manera independiente sería imposible alcanzar.

A través de este foro los participantes podrán aportar sus experiencias en estos métodos de trabajo y reflexionar sobre la evolución futura de los mismos desarrolladas en Andalucía y zona Sur de Portugal con respecto al resto de Europa

 

IM3.-  IDENTIDADES CULTURALES. VISIONES PARALELAS

 

Aunque en la mayoría de los países europeos la educación artística es uno de los pilares transversales en los sistemas educativos todavía queda mucho por hacer en no tanto en las materias a impartir basadas en la adquisición de conocimientos sino en los resultados socioculturales y personales de los individuos. Estos que son los que verdaderamente generan una identidad común, una identidad cultural, ligada sin duda a la innovación y a la comprensión intercultural.

En este foro se plantearán cuestiones de identidad y en él los participantes pondrán sobre la mesa cuestiones para reflexionar sobre acciones futuras globales a llevar a cabo.

 

EXPOSICIÓN FINAL

 

Una vez finalizado el encuentro se presentarán en formato de exposición global las obras de los artistas participantes.

 

MECA INAUGURA INNOACCIÓN. ARTE CONTEMPORÁNEO

SÁBADO 12 DE DICIEMBRE A LAS 12 H

Del 12 al 30 de diciembre. Nuevo horario martes a viernes de 11.30 a 14 h

Esta exposición colectiva de arte contemporáneo se enmarca como el eje central de la de los trabajos desarrollados por los artistas participantes en el Encuentro de Arte Contemporáneo Innoación Microlabs que durante tres días se ha realizado en el Museo de Almería. Ahora la exposición que presentamos en MECA Mediterráneo Centro Artístico, que contempla las disciplinas de pintura, instalación, intervención sonora y video arte y que bajo el comisariado común de Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante, nos va a mostrar una selección de obras de los 8 artistas que han participado en el proyecto de arte en vivo, así como el documental Innoacción que recoge todo el proceso creativo que cada uno de ellos ha llevado a cabo, así como el gran lienzo colaborativo y las charlas en directo que se han celebrado en diferentes plataformas virtuales.

 

ARTISTAS

Antonio de Diego Arias, Almudena Tapia Porras, Safi, María Dolores Gallego, Asunción Lozano, Pedro Osakar y Moisés Belilty Molinos y Jonathan García.

 

 

ACTIVIDAD PARALELA

IX Encuentro de las Artes y de las Letras del Mediterráneo

Lecturas poéticas a cargo de Paco Luis García Cuenca. Finalista Premio Internacional Poesía Ciudad de Melilla

 

ANTONIO DE DIEGO ARIAS

 

El trabajo que realizo en la actualidad, es una profundización del trabajo expuesto en mi última exposición individual “Prólogos a lo que es posible”, en la Galería Meca en Almería el pasado 2019(Marzo-Abril) y de los encuentros, piezas y bocetos no expuestos en esta última que surgieron a la par de la preparación y en el tiempo de exposición de la muestra en Meca, pero con la importante salvedad, que este trabajo, se realiza ya desde Madrid ,ciudad en la que resido desde el mes de Mayo de 2019. Toda la obra que comentamos arranca desde el 2017, con diferentes antecedentes en momentos precedentes, pero es sin duda, el funesto 2020 el que ha marcado e implementado el devenir del proceso creativo .En especial por los sentimientos de fragilidad e incertidumbre ya presentes en mi obra pero ahora implementado más si cabe en otros planos vitales. Recuerdo que en la presentación del catálogo Fernando Barrionuevo después de numerosas conversaciones y visitas al estudio, planteamos la presencia en mi trabajo de un profundo interés por la pérdida del concepto de identidad no solo de yo sujeto, sino del yo social y la deriva en la que se encuentra en la actualidad. Reflejada en la dispersión y disolución de los límites, la perdida de los márgenes necesarios para ubicar los campos de la memoria, la fugacidad como expresión. Y a todo ello habría que añadir la pérdida de la noción del concepto de verdad. La utilización de estructuras de red, ya presentes en otros periodos me permiten generar un campo de actuación en donde abstraer diferentes elementos concretos de la realidad y hacer fluir diferentes reflexiones. Y es en su fragmentación en cuanto estructuras y su dimensión “macro”, la que me permite acentuar y redimensionar los estallidos, resonancias, rupturas, disonancias de las últimas obras de la serie negra. Nos hablan del ser, de la fragilidad del tiempo actual, de der conscientes a través de la disolución de un tiempo ya concluido y la llegada de otro por venir “posibilidad” no exenta de vértigo. En mis obras algo se disgrega, se desmaterializa, se diluye, pero hay una inercia hacia una posibilidad algo prometeica. Hay ruptura pero también “hilos de esperanza” o de “disolución”-juegan las Parcas-, patentes en las piezas de la serie “Negra” realizadas en pleno COVI-19. Por último quería mencionar el sendero que he abierto en la nueva serie “fuego” que comparte gran parte de lo anteriormente expuesto pero que se abre cabe más aún a la incertidumbre del momento actual. Se introducen elementos nuevos como la repetición de la estructura principal a través de una serie de sombras-ecos que ocupan todo el espacio y en el que las dispersiones encajan en concepciones de memoria de “momentos”. “…toda percepción de la realidad es una abstracción en si misma y esta un momento de la memoria”

  

ALMUDENA TAPIA PORRAS

 

El “pensamiento mágico” ocupa una parte importante de la razón de ser de mi obra. Es por ello profunda en su inocencia y comprometida social y poéticamente en su expresión.

NOMBRAR y DEFINIR durante el proceso creativo, “vivir con”, convivir.

Y la MEMORIA como instrumento SUBVERSIVO.

El arte es memoria y por ello subversivo, intensa y dolorosamente subversivo.

Nombro cada minuto, cada hora plasmada, cada cadáver del pasado. Nombro a los que les robaron su identidad enterrándolos al alba en una curva perdida. Nombro a los excluidos... porque mi arte es memoria, y si no es memoria, NO ES.

Les doy mirada y cobijo. Les doy perfil y aliento. Aliento con mi aliento y perfil con la arcilla y la tierra. Y en ese instante donde me recreo y creo, donde tuteo al Dios de los creyentes, donde arrebatadamente el tiempo se condensa y me atrapa herida, en ese instante, transformo el paisaje que sepulta clavículas y cráneos en paisaje revelado.

Así pues, tras las palabras de Walter Benjamin, me reconozco “redentora” y me proclamo comprometida. No estoy hecha de victorias. Soy como aquellos que se disuelven lentamente en el mar, sin haber conquistado el pan y la sal de la tierra.

Es tiempo de barbarie, y el arte nos rescata.

La mirada se posa sobre la obra y en cierta forma aprehende un “instante eterno”.

Soy de la poesía y la esperanza. Soy testimonio. Me niego a separar verbo y corazón, coraje y emoción que, en el asombro y la ruina, guiña cómplice al espectador las palabras dibujadas.

Me salva el arte que derrocha fuerza, sarcasmo, despropósito, derrota, estrépito, locura. El arte que no está versado en sutilezas, que es instrumento que desafina, despojo y resistencia. Que es vida y desorden, obsesión, que es pálpito, transferencia vital y feroz de aortas heridas. El arte que es sangre, que expone a su creador, que unas veces intimida y otras, se arrodilla.

Hecho de carne poética, de desconcierto y trinchera; el abandono como un pretérito eco, bestia ciega y rumiante.

 

SAFI

 

Dibujo pájaros en el periódico de la mañana, en las páginas de economía y de crónicas sociales mientras tomo el desayuno. Miro a África. Recorto las imágenes de desastres naturales, de guerras, de naufragios de pateras, de famosos corruptos, de mil indigentes, para hacer collages de corazones imperfectos. Señalo con círculos en los mapas los lugares del mundo a donde me gustaría dirigirme desde esta periferia. Anoto palabras y títulos de futuros cuadros en las esquinas de las hojas que luego pierdo. Busco en la sección de Andalucía cualquier noticia sobre el Estrecho. Hoy como ayer, quiero seguir profundizando en los mundos que me ocupan, que son los de siempre (in-migraciones, sensibilizaciones, poderes, geografías, mapas, utopías y el arte como forma de mejora de vida). Y quiero continuar en el proceso diario de creación como perfeccionamiento. Y lograr que aparezca el mismo mensaje en mi utilización de diferentes lenguajes y formas.

 

MARÍA DOLORES GALLEGO

 

A lo largo de mi trayectoria artística, he desarrollado un fértil vocabulario abstracto cercano al diseño siguiendo unos procesos totalmente artesanales. A través del dibujo y la pintura, utilizándolos como punto de partida y combinadamente, escenifico mi universo personal de violentos colores y efectos desorientadores, cuyos flujos abiertos tienen continuidad de un formato/elemento a otro creando la ilusión de un cosmos ingrávido y envolvente mediante el concepto de pintura expandida. A través de mis obras, represento visualmente aspectos varios de mi entorno cotidiano y elementos que me interesan en lo visual y en lo conceptual, como en el proyecto artístico titulado “Animales Hilvanados” (2009-2013). En otros, en cambio, he reflexionado sobre diversos momentos históricos y artísticos de mi territorio de origen, como el periodo Íbero y de Al-Ándalus, en los proyectos denominados “Textiles Alhambrescos” (2013-2015) y “Dama de Elche” (2020); e, incluso, he trabajado directamente con obras arquitectónicas de nuestro patrimonio y en simbiosis con el arte contemporáneo como la instalación site specific denominada “Cuerpos Coloreados” (2018). Por otra parte, en los diversos cuadros que componen el proyecto “Guía Psychogeográfica” (2016-2018), fui plasmando mi propia trayectoria e historia de vida a través del dibujo cartográfico y múltiples metáforas espaciales. A pesar de trabajar por proyectos, todos ellos bien diferenciados tanto conceptual como formalmente, se pueden observar ciertas constantes (casi metodológicas) en toda mi producción artística como son: la lucha entre el orden y el caos; la tensión entre formas orgánicas y geométricas; la superposición de planos, líneas y vacíos; la aplicación seriada de los colores; o el empleo de técnicas mixtas, cuya mayor característica es el persistente uso de materiales y técnicas textiles como materiales propios del arte contemporáneo.

  

ASUNCIÓN LOZANO

 

Su obra de carácter multidisciplinar, aborda la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía o el video. Metódica y muy interesada en los sistemas de clasificación, ha organizado su trabajo a través de series y grupos diferenciados de trabajos que se han ido sucediendo a lo largo de su trayectoria. Su campo de investigación explora temas como el Cuerpo, el Territorio y la Naturaleza. En cada uno de ellos propone alcanzar objetivos como: transcender el espacio de representación de la pintura hacia un campo expandido de la escultura; advertir sobre la dimensión indómita de la naturaleza; reconstruir el sentido del territorio mediante la manipulación de imágenes aéreas tomadas de Google Earth; analizar cómo los individuos habitan el espacio social urbano; advertir de los usos en el lenguaje cotidiano y al mismo tiempo denunciar cómo los estereotipos fijan imaginarios femeninos, reivindicando la diversidad como estado ideal para lo Humano, participando en la difusión de las diferentes expresiones de genero, etc. MEASUREMENT RULES plantea tomar la medida como proyecto de investigación. La medición se considera una práctica directamente relacionada con el procesamiento de datos, con el uso de unidades de medida, números, dígitos, códigos, diagramas, patrones y métodos comparativos. Medir es establecer la cantidad de veces que una unidad ocupa un lugar dentro de lo que se mide. Measurement Rules abre la posibilidad a la ambivalencia. Es una invitación a relativizar todo cuanto sucede a nuestro alrededor, niega el carácter absoluto de muchos valores, y deja abiertos recursos y acciones basados en la subjetividad, los afectos y las ensoñaciones. Establece como principio la mensurabilidad de la realidad y enfrenta y propicia encuentros entre lo colindante y lo distante, intentando encontrar sentido a la practica artística desde el descubrimiento de unidades de medida imposibles.

 

PEDRO OSAKAR

 

CÓDIGOS URBANOS/URBAN CODES funciona igual que las anotaciones de un cuaderno de viaje y un archivo imposible. Una herramienta para la comprensión de un barrio en una ciudad cualquiera y las leyes no escritas que explican cómo nos relacionamos con la ciudad. Tomando como punto de partida la experiencia de los emplazamientos, o las escenas subjetivas que acontecerán durante los días del encuentro todas estas ideas que se desplegarán en la sala de exposiciones para aglutinar y poner un cierto orden en la memoria de esos espacios compartidos. El PROYECTO PROPAGANDA nace desde la necesidad y recuperación de procedimientos tradicionales y sencillos de impresión y su utilización como medio para la comunicación política, la protesta o la disidencia. El punto de partida fue la fabricación de una colección de tipos de madera para la impresión de textos. Tomando como punto de partida la tipografía Arial Bold por sus proporciones, peso y ser muy legible y neutra. Se fabricó la colección completa de 45mm para imprimir documentos de 400x300mm.

 

MOISÉS BELILTY MOLINOS

 

Cuando pienso en mi trabajo y en su naturaleza (un tanto oscura, ¿para qué negarlo?) suelo decirme a mi mismo que hay dos formas de afrontarlo: una pueril y tradicionalista que lo reduce a la expresión más torpe de los deseos humanos y otra, más creativa, que me lleva a sumergirme en la cara b del anhelo sexual preñado de fantasías dispares dónde caben todas esas cosas que calificamos, sin dudar, de perversiones y profanaciones de un sentimiento tan común como es el deseo carnal en su aspecto más primitivo, desprovisto de sutileza y misticismo. No me cabe duda de que ambas visiones ofrecen algo de verdad sobre la pornografía y la representación plástica del erotismo y después de una década dedicándome a plasmar en imágenes las fantasías de numerosos/as clientes a quienes no conozco no seré yo quien juzgue la validez (o su calidad desde el punto de vista intelectual) de todas estas formas de expresión. Al fin y al cabo son algo tan humano como cualquier otra manifestación artística. Lo que propongo con mi trabajo es, en definitiva, una defensa de las fantasías que antes o después nos acosarán a muchos y que pueden constituir una parte activa de la imaginación que quizás no convenga negar a luz de los valores morales que, con estricta claridad, definen lo que es aceptable y lo que no. Después de todo son fantasías y ficciones que pueden resultar liberadoras y útiles para el auto conocimiento. En cuanto a los aspectos formales que caracterizan mi producción puede apreciarse un interés por la anatomía humana, el paisaje natural, así como por el comportamiento de la luz.

 

JONATHAN GARCÍA

 

Abraza el mundo plural que ofrece la música, la acción, el happening, el video-arte y el audio-arte. Apasionado por las expresiones humanas y el sonido del silencio paralelo a la música sinestésica de las obras, su experiencia artística la enmarca en la colectividad y cómo la misma como sociedad configura un arte sonoro, imprescindible catalogar. Esa es su función en la actualidad. Escuchar, observar, interpretar y compartir.

 

 

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